Новости и события в культурной жизни.

Негативы, камни, образцы почвы и земли. Кириллос Саррис разложил детали своей «машины памяти» - так современный художник с Кипра называет инсталляцию «Невозможный пейзаж». В 1974 году на его родину вторглись турецкие войска и заняли северную часть острова. Любимые с детства места оказались за стеной.

«Эта красивая гора, которую мы так любим всей семьей, сегодня недоступна. Все, что мне остается - реконструировать по своим воспоминаниям. Инсталляция еще не завершена, я буду ее дополнять новыми фрагментами до тех пор, пока жив», - рассказал художник Кириллос Саррис.

А эта инсталляция из Берлина – драконы, металлические воздушные змеи, щиты, – чтобы ответить на вопрос, кому и как выжить внутри музея.

«В данном случае – это о взаимоотношениях зрителей и музейного пространства с экспонатами. Кто на кого больше влияет – место на человека, или наоборот? Причем от перемещения в разные точки, кардинально меняется и сама ситуация. Предсказать результат невозможно», - подчеркнула художник Ирен Петцуг.

Главная задача первой биеннале в Салониках, 12 лет назад, было представить публике искусство Центральной Европы и Балканского полуострова. Сегодня география выставки заметно расширилась. В этом году в ней участвуют 50 художников из разных стран. Объединяет их работы общая тема – «Статис» - в греческом языке у этого слова много значений – неподвижность, позиция, личная точка зрения или просто стоп. И именно его выбрали кураторы. Речь не о том, чтобы что-то прекратить, лишь замереть на миг и прислушаться.

«Это пауза для размышлений. Молчание, нацеленное не для того, чтобы отдохнуть от суеты, а для того, чтобы в этой суете расслышать действительно важные проблемы, с которыми ежедневно сталкивается мир. Так что «Стоп» - это не финиш, а только начало», - рассказала куратор биеннале Сираго Циара.

Биеннале современного искусства в Салониках – это своеобразный квест. Работы художников представлены сразу на семи площадках, и чтобы понять концепцию арт-форума, необходимо посетить их все. В этом году биеннале и вовсе вышла за границы Салоник – выставки открылись и в Афинах.

Одно из отличий этой биеннале в том, что здесь нет традиционного кураторского монолога. Над проектом работает целая команда, в этом году 11 кураторов. Из полученных заявок отбирают максимум, чтобы привнести свежую кровь. За новыми именами охотятся директора самых разных музеев мира.

«В прошлом году я здесь, напротив этого музея нашла замечательное китайское видео, которое мы показали. Китайское в Греции! Поэтому я не знаю, что я найду! Я готова найти греческое искусство, я готова найти болгарское, я готова найти американское. Вот сейчас посмотрим», - рассказала директор Мультимедиа Арт Музея Ольга Свиблова.

Биеннале в Салониках – проект популярный. Прошлую выставку посетили более 50 тысяч человек. Многие приехали специально. Современное искусство в декорациях византийской архитектуры – хороший способ увидеть прошлое и будущее одновременно.

Алия Шарифуллина ©

«Сейчас я трансформировал эту работу. После меня также придут люди и количество гвоздей на доске увеличится - так экспозиция будет постоянно преобразовываться», - говорит Гуннар Б. Кваран, куратор выставки.

«Картина, на которую надо прибить гвоздь» - тоже начала 60-х. Выполняя инструкции зрители становятся соавторами. На каждый гвоздь Оно просит намотать собственный волос, чтобы работа стала персональной. В большом мешке - художница предлагает обнаженными провести несколько минут. Или сыграть в шахматы на кристально белой доске - так, забыть про искусственное разделение и любые границы - между расами и странами.

«Последние 10-15 лет Йоко Оно стала общаться с людьми по всему миру. Благодаря интернету она смогла напрямую узнавать об их проблемах, к которым затем обращалась в своих работах. Наиболее сильная ее работа - проект «Восставая» - о насилии над женщиной, не только физическом, но и психологическом», - рассказывает Гуннар Б. Кваран.

Здесь откровенные истории участниц проекта и фотографии их глаз - присланные анонимно Йоко Оно через интернет. В проекте участвовали женщины со всего мира, пережившие насилие. Экспозицию уже показали в Южной Америке, Европе, Азии, теперь и в России. Йоко Оно нередко в создании выставки просит поучаствовать и других художников. Оля Кройтор - одна из шести российских авторов проекта «Водное событие». Каждый из них предоставил сосуд, Йоко Оно - воду.

«Мы делали подушку из гипса, на которую проецируется изображение того, как я сплю. На данный момент инсталляция называется сны. Это про пограничное состояние между сном и бодрствованием. У меня рождаются произведения, когда ты находишься, как я считаю в этом пограничном состоянии, между сном и бодрствованием, оно является моментом соединения, ты являешься абсолютным передатчиком», - объясняет Оля Кройтор, художник.

Йоко Оно стала одной из первых, кто начал привлекать зрителя к сотворчеству.

«Безусловно, это интересно. Это расширяет кругозор, делает художника более доступным для зрителя, а зрителя более вдумчивым в творчестве ее. У нее социальное творчество, оно всегда заставляет посмотреть в глубину себя», - отмечает Василий Церетели, художник.

Один из перформансов познакомил Оно с будущим мужем. Картина на потолке 66-го года - по легенде именно та инсталляция, благодаря которой Джон Леннон познакомился с Йоко Оно. Увидев в пустой комнате лестницу, музыкант решил взобраться по ней. Взял лупу и увидел на потолке крошечное «да», которое, возможно, воспринял, как знак.

«Самый известный неизвестный художник», говорил о жене и музе Джон Леннон, имея ввиду, что ее имя популярно, а работы нет. А она, не останавливаясь, продолжала по-своему бороться за мир во всем мире. Все-таки склеивать разбитую чашку. И в прямом смысле оставлять на планете свой отпечаток.

Анастасия Егорова©

«Когда будете стоять перед "Московским двориком", обратите внимание на дико орущего, посаженного на травку ребенка в центре этого полотна. Я никогда в жизни, а сколько раз я стояла перед "Московским двориком", не обращала внимание на этого ребенка», - рассказала генеральный директор Государственной Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

С «Московского дворика» в русское искусство вошло понятие «пленэризм». Как вспоминал художник, этот вид он написал сразу, как только увидел из окна квартиры, которую пришел снимать. Этюд тоже есть на выставке - немного другой ракурс и пока еще ни одного человека на холсте. А за несколько лет до этого Василий Поленов путешествовал по Европе. Увлекшись французским искусством, готовил картины для знаменитых салонов. Как, например, «Право господина» - исторический сюжет про право первой брачной ночи, которым пользовались многие монсеньоры.

«Тут соединились и его интерес к истории, и его интерес к истории права. Конечно же, это уже время развития первых ростков эмансипации и в Европе, и в России. И у самого Поленова были сестры», - пояснила заместитель директора Государственной Третьяковской галереи Татьяна Карпова.

Черты лица сестры-близнеца художника можно рассмотреть на картине «Больная». Никогда больше Василий Поленов не обращался к этой мрачной теме, навеянной чередой утрат. Делом своей жизни считал цикл «Из жизни Христа». Чтобы добиться максимальной достоверности, Поленов два раза ездил в Палестину, делал зарисовки с натуры, изучал пейзажи. Почти 40 лет он работал над этой серией картин.

Вокруг имени Поленова ходит много легенд, и одна из них - как раз про цикл «Из жизни Христа». В 1912 году все эти полотна должны были отправиться в Америку. Кораблем. Но подготовка картин затянулась, и на корабль они не попали. Что к лучшему. Ведь назывался он «Титаник». В одном из интервью внук Поленова сказал, что работа «Христос и грешница» сейчас тоже могла бы покоиться на дне Атлантического океана. В Москву это полотно попало впервые за 130 лет, оно из собрания Русского музея, из Петербурга картину вывозили только раз, во время эвакуации в годы Великой Отечественной. Кстати, работу эту купил Александр III - заплатил 30 тысяч рублей, что в перерасчете на сегодняшние деньги - примерно 30 миллионов. На эти средства Поленов купил участок земли на верхней Оке, где по его же проекту был построен большой дом.

Анна Галинская©

«Он был интересным художником, мог превратить любой предмет в арт-объект. В 63-м году он впервые использовал в своей инсталляции телевизор, до него этого никто не делал. Но он хотел создавать новое искусство, начинал с экспериментов со звуком и музыкой, и думал, что также можно работать с телевидением и видео», - рассказала куратор выставки Сук-Кён Ли.

Нам Джун Пайк начал карьеру в 60-е. Первая персональная выставка прошла в Германии. Называлась «Экспозиция музыкально-электронного телевидения» - художник использовал сразу 12 телевизоров для создания неожиданных эффектов, большие магниты у экранов искажали картинку, создавая причудливые узоры.

Пайк был участником движения «Флуксус», стремившегося избавить мир от коммерческой культуры, поэтому трансформировал исключительно рекламное видео.

«Он будто бы предвосхитил современные технологии. Он говорил, что у каждого вскоре будет своя телестанция, и сегодня у нас есть Youtube. Он говорил, у каждого художника будет своя программа. И это было сказано еще в 70-е. Думаю, работы Нам Джун Пайка очень понравятся молодому поколению, хотя этим технологиям уже более 50 лет», - отметил племянник Нам Джун Пайка Кен Хакута.

Пайк сыграл ключевую роль в использовании видео как формы художественного выражения. Он объединил музыку, видеоизображения и скульптуру. На выставке - его знаменитая работа «Сикстинская капелла» - коллаж из видеопроекций, впервые показанный на Венецианской биеннале в 93-м. Есть и знаменитый «ТВ-Будда» - инсталляция, которая на каждой выставке выглядит по-новому. Пайк сотрудничал с музыкантами и художниками, среди них - Дэвид Боуи и Джон Кейдж, и верил, что технологии будущего смогут решить множество проблем.

Ксения Егорова©

«Динамический супрематизм № 38» Малевича привезли из Кёльна в Москву 48 часов назад - ровно столько по правилам шедевр должен находиться в таком кофре. После реставраторы тщательно осматривают произведение. Эта работа Малевича была в фондах Музея живописной культуры. Возник он в 1919 году, как музей «нового типа» и отметал все традиции академических собраний. Идею создавали и разрабатывали сами художники – вот несколько имён: Кандинский, Малевич, Родченко, Татлин. Главным покровителем было государство.

«Всё в нём было нетрадиционно. И концепция экспозиции, и комплектование, и то, как он был устроен, как он работал. И он был филиалом Третьяковской галереи, поэтому для нас эта выставка очень важна, так как приурочена к 100-летию Музея живописной культуры», - объясняет Пчёлкина.

«Авангард. Список №1» - это реконструкция экспозиции Музея живописной культуры. Восстанавливали её по архивным документам, а потому важна каждая деталь.

«Мы изучили много документов, прежде чем понять, как был устроен этот музей. У него было несколько адресов, но тот вид, который мы сейчас попытались реконструировать - это его уже последние годы, 1925-1928 годы. Он въехал в здание на Рождественку, 11», - рассказывает Любовь Пчёлкина.

Известно, что там было 6 комнат, где довольно молодое на тот момент искусство не только показывали, но и объясняли. Большое значение отводили специальным лекциям. В Музее живописной культуры был Аналитический кабинет, который тоже будет на выставке. Сейчас идет распаковка материалов.

«Чертежи, графики, определённые теоретические тексты, наверное, может быть сложные сначала для понимания», - добавляет Любовь Пчёлкина, куратор выставки.

В 1929 году внезапно было принято решение о ликвидации музея и его слиянии с Третьяковкой. Часть произведений была распределена в региональные музеи, некоторые оказались и за границей. Другие и вовсе считались утраченными.

«Уникальное произведение - первый кинетический рельеф Н. Прусакова. В энциклопедии русского авангарда он числится, как пропавший. Но оказалось, что всё это время, с 1929 года, он лежал в запасниках Третьяковской галереи, никто даже не догадывался, что он пришёл к нам из Музея живописной культуры и вообще сохранился», - говорит Ирина Кочергина, научный сотрудник отдела живописи первой половины ХХ века Государственной Третьяковской галереи.

Лучшее из коллекции Музея живописной культуры осталось в Третьяковской галерее. Публике представят также произведения из региональных, зарубежных и частных собраний. Всего порядка 250 живописных, графических, скульптурных работ.

Ольга Енина©

«Двуглавый орел с XV века обозначает наше государство. Причем, в самых разных его видах. Это было Московское княжество, это было Московское царство, это была Российская Империя, это была Российская Республика. Поэтому, когда началось обсуждение герба, постепенно все пришли к тому, что да, действительно, смешно искать что-то другое. Знаменитое тогда было еще высказывание Бурбулиса - о том, что вот такой орел, только надо его сделать подобрее», - рассказал заместитель директора Государственного Эрмитажа, государственный герольдмейстер России Георгий Вилинбахов.

Принимавший участие в разработке нового российского герба, Вилинбахов теперь занят созданием музея геральдики. Богатейшая коллекция Эрмитажа позволяет рассказать об эволюции двуглавого орла. Это экипировка российской императорской гвардии от петровских времен до Николая Второго, на примере которой можно увидеть, что крылья орла - то приподнимались, то опускались. Впрочем, это никогда не считалось нарушением.

«Одно дело делали вышивальщики. Другое - вырезали на дереве. Третье - вырезали в металле для печати. Четвертое - чеканили на монетах. Ясно, что это всегда были варианты. Поэтому, понимая все это, что невозможно в качестве эталона закреплять изображение, в качестве эталона закрепили описание», - подчеркнул Валинбахов.

Пока идет разработка научной концепции будущего музея, реставраторы готовят для него помещение. Это здание Биржи на стрелке Васильевского острова, где до этого располагался Центральный военно-морской музей. Сейчас он переехал в другое здание.

Новый музей геральдики планируется открыть в 2022 году после завершения реставрации - как раз к 300-летию со дня учреждения геральдической службы Петром I.

Основная экспозиция будет располагаться в анфиладе. А вот главный зал решили ничем не заполнять и оставить как есть.

«Это будет, действительно, торжественный красивый зал, в котором мы предполагаем проводить различные церемонии, связанные с такими праздниками, как День России, День флага. Здесь можно будет проводить церемонии принятия присяги курсантами», - заключил герольдмейстер.

Создание музея геральдики и работа в Эрмитаже - это только часть обязанностей Георгия Вилинбахова. Как государственный герольдмейстер, он еще следит за тем, чтобы при утверждении новых гербов не нарушалась историческая преемственность. Например, в Севастополе до революции был герб с изображением грифона, но сейчас в городе используется советский вариант.

«По тем или иным причинам, местные власти, допустим, хотят что-то другое. Тогда это другое не вносится в государственный геральдический регистр. А в случае с Севастополем сейчас пока идет работа. И с Крымом, и с Севастополем еще продолжается работа», - добавил он.

Геральдика, по словам Георгия Вилинбахова, - это особый язык со своими правилами. Именно их соблюдение, например, в воинском обмундировании, которое у каждой армии было строго определенного цвета, позволяло противникам на поле боя отличать друг друга. Кстати, как рассказывает Вилинбахов, геральдикой он увлекся, играя в детстве в оловянных солдатиков. Их до сих пор можно увидеть на его рабочем столе.

Антон Николаев©