Новости и события в культурной жизни.

Зрители увидят работы крупнейших мастеров русского искусства В. Л. Боровиковского, В. Г. Перова, И. И. Шишкина, Н. С. Гончаровой и других художников. Это вторая масштабная выставка Пушкинского музея в Курской области.

Выставка «Шедевры русской живописи из собрания отдела личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина» даёт представление о различных этапах развития отечественного изобразительного искусства: от портретов XVIII века, реалистической живописи передвижников, ретроспективных полотен мирискусников до композиций авангардистов начала ХХ века. Все произведения поступили в дар отделу «Музей личных коллекций» Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина от российских коллекционеров. В 1985 году по инициативе коллекционера, известного общественного деятеля, доктора искусствоведения И. С. Зильберштейна в тесном сотрудничестве с директором ГМИИ И. А. Антоновой был сформирован отдел «Музей личных коллекций» (ныне – отдел личных коллекций). Появление отдела коренным образом изменило ситуацию по отношению к частному собирательству в стране. Пример И. С. Зильберштейна, передавшего в дар свою коллекцию западноевропейского и русского искусства, доказал общественную необходимость этого рода деятельности, которая способствовала его «реабилитации» в обществе, подчеркивала его существенное назначение – меценатство. Свыше 40 собраний и отдельных произведений были переданы в дар ГМИИ частными коллекционерами и самими художниками или их наследниками.

В настоящее время фонды отдела насчитывают свыше восьми тысяч произведений русского и западноевропейского искусства XV–XX веков.
В экспозицию вошли произведения художников русской школы XVIII–XX веков: В. Л. Боровиковского, В. Г. Перова, А. П. Боголюбова, И. И. Шишкина, С. Ф. Щедрина, И. Е. Репина, П. П. Кончаловского, Н. С. Гончаровой, П. И. Петровичева, Л. В. Туржанского, В. В. Переплётчикова, В. К. Бялыницкого-Бирули и других мастеров.

Покровительство искусству, меценатство – благородная черта частного коллекционирования. Например, в 2013 году в дар музею российским меценатом и предпринимателем Алишером Усмановым была передана картина Франса Халса «Евангелист Марк».

Марина Лошак, директор ГМИИ им. А. С. Пушкина: «За годы своего существования в составе ГМИИ отдел личных коллекций наряду с большим числом новых экспонатов приобрёл множество друзей и единомышленников среди удивительных людей – собирателей, посвятивших себя благородному делу поиска и сохранения произведений искусства. Благодаря установившимся тесным творческим связям сотрудников музея с московскими коллекционерами и наследниками художников отдел личных коллекций ведет активную и плодотворную выставочную работу. Мы надеемся, что знакомство с лучшими образцами русской живописи из собрания нашего музея вызовет большой интерес и доставит радость посетителям выставки, будет способствовать дальнейшему укреплению культурных связей между городами нашей страны».

Фатима Мухомеджан, заместитель директора благотворительного фонда Алишера Усманова «Искусство, наука и спорт»: «При всем разнообразии и насыщенности культурной жизни в регионах, выставки крупных музеев – всегда яркое событие, поскольку такого уровня картины редко выезжают за пределы хранилищ, их путешествия сопряжены с большим количеством нюансов, сложностей, тайн. Мы рады дарить такие красивые события, открывать людям дополнительные возможности. В этом году жители Курской и Белгородской областей в рамках сотрудничества культурной платформы АРТ-ОКНО, Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Курской картинной галереи им. А. А. Дейнеки смогут увидеть произведения русских художников XVIII–XX веков из собрания отдела личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина. Уверена, что экспозиция выставки «Шедевры русского искусства» оставит у зрителей долгий эмоциональный след. Поздравляю всех участников выставки и желаю ярких впечатлений и вдохновения, кроющегося за прекрасными формами живописи».©

Люди в белых халатах - безликие и неизвестные, но именно за ними история этих стен. Рабочие завода вдохновили художников биеннале.

«Это та тема, которую мы тоже особо усиленно рассматриваем. Это присутствие и отсутствие человека в этих пространствах. Когда мы пришли, мы увидели только объекты труда, которые сами по себе не могут говорить, но мы точно знаем, что с ними всегда происходило какое-то действие со стороны человека», - рассказывает Ульяна Яковлева, сокуратор Уральской индустриальной биеннале современного искусства, куратор исследовательского проекта.

Действующий завод в Екатеринбурге впервые стал выставочной площадкой. Свои двери он открыл для Уральской индустриальной биеннале современного искусства. Под работы художников на заводе выделили целый цех - 10 тысяч квадратных метров. Его открыли в 1941 для полировки луп и линз микроскопов, а в апреле этого года закрыли на реконструкцию.

Теперь всё его пространство занимают работы современных художников из 25 стран мира, которые объединила общая тема - «Бессмертие».

«Мне кажется, это такая тема, которая разлита везде как какой-то главный, последний вызов, который остался перед человечеством. Технологии могут победить всё, как нам кажется, но очень важно если мы преодолеем смерть, то сможем ли мы преодолеть бессмертие?», - размышляет Алиса Прудникова, комиссар и художественный руководитель Уральской индустриальной биеннале современного искусства.

При этом в работах отразили и промышленный Урал.

«Это фотографии Вениамина Метенкова, я исследовала его архив. Как мы знаем, его можно назвать таким своеобразным летописцем Урала. Я брала его фотографии с горными породами и сопоставляла с изделиями, которые сейчас делают из них современные производства. Для того, чтобы показать, что эти вещи тесно связаны», - отмечает Алика Швацузе, художник.

Откроется пятая биеннале современного искусства уже в четверг. Одновременно на двух площадках - это Уральский оптико-механический завод и старейший кинотеатр Екатеринбурга - Колизей.

Полина Яковлева ©

У картины «Оплакивание Христа» - тяжелая рама, поэтому к стене привинчивают дополнительную подставку.

«Не потому что штанги не выдержат. Они, может, и выдержат, но сама рама может себя разрушить собственным весом, потому что она в храме в Петербурге в Александро-Невской Лавре стоит на подставке на специальной мраморной, в Эрмитаже это тоже все было. Сама рама своим весом может разрушить», - объснил куратор выставки Вадим Садков.

Полотно «Оплакивание Христа» покинуло Александро-Невскую Лавру впервые с 1794 года, именно тогда Екатерина Вторая подарила Свято-Троицкому собору картину, которую она приобрела в Берлине. До недавнего времени считалось, что она принадлежит кисти Питера Рубенса. Пока ее случайно не увидел бельгийский искусствовед Арноут Балис, который и определил автора.

Якоба Йорданса называют «самым фламандским из фламандских художников». На его полотнах - мир избыточно материален, красив, многообразен. Художник создавал бытовые жанровые полотна с фигурами в натуральную величину. Писал на исторические, религиозные, мифологические темы. Йорданс стоит в одном ряду с Ван Дейком и Рубенсом.

«После смерти Рубенса стал фактически главным художником города Антверпена, он занимал такую должность. По сути дела он был основной фигурой, когда речь шла о заказе каких-то крупно форматных живописных произведений для храмов или общественных зданий, и Йорданс активно использовал труд своих ассистентов, но так делали и Рубенс, и Ван Дейк в период расцвета их творчества, и Йорданс, как такая яркая фигура», - объяснил куратор выставки Вадим Садков.

На выставке в Пушкинском музее собраны произведения Якоба Йорданса из российских художественных собраний. Так, Екатеринбургский музей изобразительных искусств предоставил картину «Мелеагр и Аталанта», считавшуюся поздней копией. Однако в ходе реставрации была обнаружена подлинная подпись Йорданса.

Картины Якоба Йорданса, а их 18, разместили в двух залах. От ранних работ - до позднего периода. И так совпало, что полотно «Оплакивание Христа» заняло центральное место и в хронологии, и в пространственном решении экспозиции.

Мария Трофимова©

Четверо из представленных художников впервые в Галерее. Это москвичи Максим Орлицкий и Слава Ерещук, крымчане Антон Гудзикевич и Мария Журикова. Крымских художников нисколько не волнуют крайности в умах адептов современного искусства. Средиземноморские метафизические пейзажи Гудзикевича как бы внутри картин наполнены солнцем, они написаны открытым цветом, в них яркие синие небо и вода, флора кислотного зеленого цвета. Они полны милости и наивности, чем напоминают пейзажи Дэвида Хокни, использующего кислотные цвета. Как и Хокни, Антон в сюжетах своих работ пишет сцены у бассейна, а также любуется красотой обнажённого тела у воды, в отличие от англичанина, юного женского. Ассоциация с творчеством Хокни не умаляет, а лишь подчеркивает смелость и яркость индивидуальности Антона Гудзикевича.

Мария Журикова оперирует телесностью, используя экспрессивную манеру письма. Она манипулирует женским телом, изображая его, то контурным рисунком, то превращая в красочные абстрактные двуцветные слои. Женская сущность наполняет собой весь мир, а окружающее пространство вливается красками в контур тела. Совсем другие смыслы в её картине «Нефть», где юная, безбашенная, «отвязанная» девчонка в красных лабутенах уселась на ракету и хохочет. Кажется, она символизирует все поколение Z с его энергией и независимостью.

Роскошная экспрессивная живопись Орлицкого по словам самого художника отражает процессы «поиска самого себя, своего предназначения, трансформацию и перерождение, попытку самоидентификации, но часто мнимую и иллюзорню». Однако названия картин («Хамелеон», «Русалка», «Амфибия», «Теонанакатель»), их сюжеты превращения человека в другие существа позволяют интерпретировать работы как обращенные к магии, колдовству, ведичеству, к чудесным приключениям в ночь цветения папоротника. Слава Ерещук, сочетая в полотне «Цвет» пастозные красные подсолнухи и «открыточные» ирисы, заставит зрителя задуматься, а можно ли воспринимать эту картину лишь как интерьерное произведение. В картине «Террариум», написанной в стилистике барокко, Андрей Архипов, создает искусственный мир, где самка богомола поедает своего партнера. Художник пытается «рассказать о стремлении людей изолировать себя и свой внутренний мир, создать свой террариум, в котором только кажущаяся защита от окружающего мира становится капканом для самопоедания».

Кроме молодых авторов в проекте участвуют зрелые мастера – Александр Савко и Дмитрий Шорин. У Шорина есть девушка, есть и самолеты, можно полагать, что последние олицетворяют мужское начало, чем и объясняется сладострастное выражение лица девицы. Ирина Филатова.©

А.А. Мыльников состоялся и как талантливый педагог, который внес огромный вклад в развитие и усовершенствование художественного образования. С 1953 года он исполнял обязанности заведующего кафедрой живописи и композиции в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, с 1960 года – он руководитель творческой мастерской монументальной живописи Российской академии художеств.

А.А. Мыльников – крупнейшая фигура современного изобразительного искусства второй половины XIX – начала XX веков, его творчество хорошо известно в России и за рубежом. Его произведения находятся в лучших музеях страны и за границей, в частных коллекциях.

В собрании Калужского музея изобразительных искусств храниться только одно произведение А. А. Мыльникова – картон для витража “Сон”, исполненный в 1969 году. В этой работе художник воплотил извечную тему мирового искусства – красота и совершенство обнажённого человеческого тела, которая известна ещё с античных времен. В разные эпохи в нее вкладывалось разное содержание.

Эстетическое значение образа обнажённого человека на лоне природы – это тема гармонии человека и природы, как идея духовного и физического совершенства. Интерес к изображению обнажённого человека всегда был свидетельством зрелости искусства. Высокое значение этого мотива в искусстве понимал и А. А. Мыльников, он воплотил его в живописных произведениях “Сон” (1969) и “Утро” (1972). Эти работы стали этапными в его творчестве. Один из вариантов картины “Сон”, художник решил перенести в произведение монументального искусства – витраж, для исполнения которого был исполнен картон.

На холсте изображена молодая обнажённая женщина, спящая на берегу тихого голубого озера. Художнику удалось передать органическую связь человека с природой. Красота обнажённой натуры сродни красоте природы и спокойствию в пейзаже. Женская фигура отмечена мягкой пластичностью, она органично вписана в пейзаж. Обнажённая женщина в картине Мыльникова стала аллегорией прекрасного мира, в котором должен жить человек, который делает его счастливым и чистым.©

Он вошёл в историю изобразительного искусства как непревзойденный певец моря. Никто из его современников не смог с такой силой и вдохновением показать величие и красоту морской стихии. Художнику было присуще возвышенно-романтическое мировоззрение, обусловленное его любимой темой – темой моря. Недаром в народном воображении и литературе море отождествлялось с чувством силы и могущества, свободы и бесконечного пространства, порождало жажду борьбы и преданности.

Впрочем, не менее важным является то, что именно Айвазовский стоял у истоков украинского пейзажа, одним из первых обратился к живописной красоты украинской природы и сельского быта.

На нынешней выставке экспонируются более 60 произведений живописи и графики ХVIII-ХХ вв. из коллекции музея, которые объединены морской тематикой. Также предусмотрен показ фотографий картин Айвазовского, утраченных музеем во время Второй мировой войны и экспонатов музея Шереметевых, архивные материалы, фотографии, различные предметы, находящиеся на военных кораблях XIX в. и личные вещи морских офицеров – современников И. Айвазовского.

Конечно, особый интерес вызывает музейная коллекция картин Айвазовского, которая состоит из 18 произведений живописи и графики. Все они объеденены высоким уровнем исполнения и дают представление о разных периодах творческой деятельности художника. Однако, организаторы выставки с определённой целью отошли от монографического и хронологического показа. В каждом зале рядом с произведениями Айвазовского представлены работы известных или малоизвестных мастеров, которые были предшественниками, учениками и последователями великого мастера. Такой подход визуализирует стали традиции и преемственность, поиски и открытия маринистов в течение двух веков.

Среди интересных образцов раннего периода творчества Айвазовского выделяются прекрасные пейзажи «Вид на острове Капри» (1845) и «Арба в поле» (1848). В романтическом полотне «Арба в поле» художник воплощает знакомые с детства мотивы своего родного Крыма и степей близ Феодосии, с которой была связана жизнь живописца. О многогранности дарования художника свидетельствуют работы с определёнными чертами бытового жанра и непосредственно не относящиеся к теме моря: «Сцена из Каирского жизни. На террасе дома и общая панорама города» (1881), «Афинский Акрополь» (1887), «Волга у Жигулёвских гор» (1887), «Переезд через Неву» (1883). Эти полотна одновременно являются свидетельством непоколебимой любви художника к путешествиям, без которых он не представлял своей творческой жизни.

Зрелый этап искусства Айвазовского представлен известным полотном «Буря» (1872). Обозначенное впечатляющей свободой, размахом и вместе с тем значительно сдержаннее колоритом, оно свидетельствует об эволюции творчества художника.

Совершенным мастерством отличаются рисунки Айвазовского, выполненные обычно смешанной графической техникой: «Штиль» (1850), «Шторм» (1850) и др.

Новаторский стиль живописи, который во многом опередил своё время, вместе с тем, основывался на традициях пейзажа ХVIII – начала XIX вв., когда Айвазовский учился в Академии искусств пейзажной живописи и имел достаточно устойчивые традиции. Представленные на выставке работы художников ХVIII – начала XIX вв. ярко характеризуют особенности пейзажа того времени. К ним относятся, например, лунный вид с романтическим привкусом Е. Новикова «На берегу залива» (1792), акварели художника XVIII века. Ж. -Б. де ла Траверса, которые он выполнял во время путешествия в Крым.

Тема Италии – одна из самых любимых в искусстве – соединила разных мастеров живописи. В итальянском пейзаже Ге «Сорренто» чувствуется наследственная связь с академическими романтическими традициями и одновременно самостоятельная сила, своя эмоциональная содержательность.

Искусство Айвазовского имело огромное влияние на развитие маринистов и крымской тематики. Он создал свои традиции и школу. Работы современников, учеников и последователей художника составляют целую эпоху в развитии морского пейзажа и крымских ландшафтов. К этой группе работ можно отнести прекрасные пейзажи: Л. Ф. Лагорио «Крымский пейзаж» (1886), А. П. Боголюбов «Череда на берегу моря. Ай-Тодор» (1870), Р. Судковский «Прозрачная вода» (1879-1885), К. Ф. Богаевский «Берег Коктебеля», волшебные, прозрачные акварели с крымскими видами Н. А. Волошина.

Нынешняя выставка – продолжение доброй традиции – всестороннего ознакомления посетителей с уникальной коллекцией музея. Выставка является подтверждением того, что настоящее искусство не имеет никаких преград. Художники, которые обращались к воспроизводству непревзойденной красоты морской стихии, баталий, различных морей и разных стран понятны и привлекательны, даже в наше нелёгкое время, для самого широкого круга зрителей.©

Экспонаты этой выставки подбирали не только по возрасту, но и разнообразию технологий стеклоделия - от алмазной грани до гутной техники, главная сложность которой успеть придать расплавленному стеклу форму всего за несколько минут.

«Если эта стекломасса остынет, уже невозможно будет вылепить никакую фигуру. То есть это настолько тонкая, изящная работа, требующая внимания, концентрации, а главное, техники», - объяснил заместитель директора Пензенской областной картинной галереи им. К.А. Савицкого Дмитрий Бушмин.

Не случайно экспонатами выставки стали и образцы европейского стекла. Например, знаменитого завода Баккара. Бахметьевы привозили эти изделия из зарубежных поездок в качестве эталона. Но никольчане в итоге превзошли европейских мастеров, объединив в своих работах изящность итальянского стекла и прочность богемского. А про знаменитый «золотой рубин», стекло нежно-розового цвета, есть даже легенда о бедном мастере и его сварливой жене: «И жена, в конце концов, так на него была обижена, что сняла с пальца обручальное кольцо и бросила в эту хрустальную массу. И произошло чудо. От присутствия в этой стеклянной массе золота оно окрасилось в нежно-рубиновый цвет».

На несколько месяцев Никольский музей останется и без современных произведений искусства. Например, хрустальной туфельки, созданной в 2014 году по заказу студии Уолта Диснея. Теперь ее смогут увидеть и пензенцы.

«Для нас эта выставка, конечно, является событием. И, в первую очередь, для того, чтобы наши граждане, наши пензенцы, гости нашего города захотели увидеть полностью всю коллекцию, чтобы приехать в Никольск - "Хрустальное сердце России"», - отметила министр культуры и туризма Пензенской области Татьяна Курдова.

Всего в собрании Никольской коллекции стекла и хрусталя - более четырнадцати тысяч уникальных экспонатов. Сто пятьдесят из них будут гостить в Пензе до конца года.

"Картина находилась буквально в нескольких сантиметрах от места, где владельцы дома готовили еду. Аукционист, которого они пригласили оценить некоторые предметы, попросил рассказать о ней подробнее, но хозяйка ответила, что эта маленькая икона никакого интереса для искусства не представляет. Однако у аукциониста сработало чутье, и он решил отправить работу на экспертизу", - сказал искусствовед Стефан Пинта.

Изображение Христа в окружении насмехающийся людей создал учитель Джотто - флорентийский художник Чимабуэ, чья техника повлияла на формирование живописи эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что картина, найденная в Компьене, - часть серии, изображающей страсти Христовы. До настоящего момента считалось, что сохранилось лишь два фрагмента - один хранится в Национальной галерее в Лондоне, второй - в Коллекции Фрика в Нью-Йорке.

"Это значимое открытие для всего мира. Я часто сравниваю историю искусства с пазлом, в котором не хватает некоторых частей. Обнаружив эту картину, мы нашли еще одну недостающую деталь из мира зарождающейся западной живописи. Эта картина была написана во второй половине XIII века, во времена, когда Нотр-Дам даже не был построен", - добавил Стефан Пинта.

Картина "Поругание Христа" будет выставлена на французский аукцион, который пройдет в городе Санлис 27 октября. За картину рассчитывают выручить от четырех до шести миллионов евро. Торги станут первым в истории прецедентом продажи картины Чимабуэ. Работы живописца ранее никогда не попадали на аукционы.