Черный квадрат Малевича

(mjo @ 06.09.2010 - время: 09:10)
Думаю, понятие "изобразительное искусство" гораздо глубже любого доступного Вам примера.
"Не вари козлёнка в молоке матери его".

Вы тоже считаете квадрат трёхмерным? новая геометрия Римана-Лобачевского-Малевича.

вот статья Максима Кантора трудно заподозрить этого художника в "непонимании "Мы живем в мире, где стоимость не соответствует ценности, цена не соответствует качеству, значение — внешнему виду. Рынок искусств успешно воспроизвел эти обстоятельства внутри себя


Автор: Hakuin Ekaku



Публикуемый ниже текст — анализ рыночных механизмов и сущности того, что именуют современным искусством. И анализ вполне уничижительный. От чьей другой непримиримости можно было бы отмахнуться; в случае с Максимом Кантором это не пройдет. Кантор не арт-критик, он арт-практик, и более чем успешный — один из самых востребованных в мире сегодняшних российских художников. На недавнем «Сотби», где продавали русскую живопись, из десятка работ, в разы превысивших заявленную стоимость, лишь одна была датирована свежими «нулевыми» — работа Кантора; прочие картины-победители созданы в 70–80−х. Выставки Кантора проходили по всему миру, картины его есть в коллекциях 22 музеев — включая Британский и Третьяковку. Вдобавок Кантор — автор знакового романа: его двухтомный «Учебник рисования» стал одним из главных литературных событий сезона 2005/2006, сейчас книга переводится на английский, французский, румынский, польский, болгарский, португальский, итальянский (Фельтринелли, говорят, специально прилетал в Москву познакомиться)…

Отдел культуры

Искусство — единственная дисциплина, в которой результат больше, чем сумма слагаемых, сформулировал один мудрец. Это значит вот что. При создании произведения искусства художник использует техническое мастерство, оригинальный замысел, опыт, знания, труд и пр. Все это необходимо для работы — но этого недостаточно. Искусство становится искусством при возникновении чего-то иррационального. В результате работы должно случиться чудо, тогда произведение оживет. Именно об этом легенда о Пигмалионе и его ожившем творении, Галатее. Именно это пытался объяснить Сезанн, когда говорил, что самое трудное в картине — «маленькое ощущение». Это «маленькое ощущение» есть не что иное, как душа. То, что присовокупляется к вложенному художником труду, есть душа произведения. Если картина не ожила, Галатея не заговорила, значит, труд художника пропал напрасно — произведения искусства не получилось. У подлинного художника все картины — живые и разные. «Блудный сын» Рембрандта наделен иной душой, нежели «Иудейская невеста» того же мастера или «Ночной дозор». Вместе произведения Рембрандта образуют семью — но никак не совокупный продукт.



Когда коллекционер приобретал «Блудного сына», он вступал в отношения именно с этой картиной. Покупатель не заказывал «типичного Рембрандта» или
«двух-трех поздних Рембрандтов» — нет, он покупал именно «Блудного сына», оттого что душа произведения была созвучна его душе, заставляла ее трепетать. Любители искусства знают это чувство, когда ты захвачен произведением настолько, что дыхание перехватывает в груди. Это значит, что душа картины и душа зрителя заговорили меж собой, как души влюбленных. Отношения с картиной уникальны, как любовные чувства: любят конкретную девушку, а не типичную представительницу женского пола. Так было до возникновения рынка искусств. Натуральным обменом двигала любовь, предметом интереса являлась душа произведения, воплощенная в образе.

Диалог душ — это, конечно, недурно для небольшого круга ценителей, но что делать, когда счет пошел на миллионы голов? Демографическая проблема и демократическое общество изменили политику сбыта прекрасного: надо создавать унифицированную продукцию и продавать ее как штучный товар.

Мещанин — двигатель прогресса

Рынок искусства возник недавно. Возрождение знало заказ, но рынка не было. До семнадцатого века не существовало так называемого вторичного рынка — говорить об обороте произведений искусства было невозможно. Сравнительная стоимость выявлялась при обмене и вторичной продаже — а ни то, ни другое не практиковали. Никто не пытался перепродать Сикстинскую капеллу, картины Андреа Мантеньи не были меновым эквивалентом, Карл Пятый не обменивал свой портрет кисти Тициана на пейзаж Рубенса. Большинство произведений создавали для храмов и дворцов — продать их можно было лишь со стенами вместе, но это никому не приходило в голову. Великий скульптор Донателло с горечью констатировал, что величие искусства остается в прошлом: частный заказчик никогда не сравнится величием души с храмом. Появление такого клиента означало возникновение менового рынка и, тем самым, стандартизацию вкусов. Произведение должно быть таким, чтобы его захотел и другой клиент, и чем больше желающих, тем лучше. Иначе говоря, оно должно обладать некоей общественной душой, отвечать общественному сознанию.

Показательна судьба Рембрандта, который в молодости удовлетворял вкусу голландских буржуа, а достигнув величия, перестал — стал слишком сложен для существования на вторичном рынке.

Рынок голландской живописи семнадцатого века есть прообраз рынка сегодняшнего: сотни художников обрели тысячи заказчиков потому, что поняли (отчасти и спроектировали) общественное сознание. Бюргеры захотели увидеть себя запечатленными на полотнах — подобно тому, как прежде рисовали героев и королей. Тщеславие зрителей было утешено тем, что неказистый ландшафт, пошловатый достаток, вульгарный быт увековечены на правах мифологических сюжетов. Не античные герои, да и не стремимся — а ведь как хорошо живем, уютно, достойно. Сегодня, покупая «актуально-радикально-мейнстримную» инсталляцию, обыватель тешит себя тем, что встал в ряды модных людей, обладает раскрепощенным сознанием, идет в ногу с прогрессом. Кураторы и галеристы подскажут доверчивому буржую, как сделать интерьер прогрессивным, как разместить кляксы и полоски, чтобы создать иллюзию авангардного мышления домовладельца. И голландский бюргер, и современный капиталист будут очень обижены, если им скажут, что искусство, ими облюбованное, есть апофеоз мещанства. Любопытно, что пятна, кляксы и закорючки разом сделались понятными массе покупателей, как только выяснилось, что любовь к ним есть признак прогрессивного мышления. Те, кто опознает себя в качестве форпоста прогресса, будут расстроены, если им сообщат, что прогресса в закорючках и кляксах — нет. Как, свободолюбивые закорючки — мещанство? Как это, натюрморт с ветчиной — пошлость? А как же просвещение и свобода взглядов, которые мы пестуем? Характерно, что в общей ровной массе так называемых малых голландцев великий Рембрандт оказался лишним. Масштаб, заданный его произведениями, по-прежнему оставлял маленького человека — маленьким, а это никому не приятно. Если, глядя на интерьеры и натюрморты, заурядный бюргер воображал свою жизнь произведением искусства, то, глядя на страсти Рембрандта, обыватель видел заурядность своей биографии. Рембрандт поднял рыночную живопись Голландии на уровень великого искусства — и рынок ему отомстил, художник умер в нищете.

Импрессионисты еще больше снизили планку требований: производить великое для огромной массы третьего сословия — невозможно. Для каждого адвоката, дантиста, риелтера невозможно нарисовать «Взятие крестоносцами Константинополя», и не всякому дантисту это событие интересно. Но пейзаж с ракитой нарисовать можно, спрос на ракиты немереный. Любопытно, что обращение к уютной живописи было воспринято как революционный переход к свободному самовыражению. Величественное заменили на уютное (сообразно потребностям демократического общества) — и уютное стали считать великим. Характерно, что великие «постимпрессионисты» (Сезанн, Ван Гог, Гоген), то есть те, кто пытался вернуть уютному пейзажу героическое звучание, рынком были отвергнуты. С ними случилось примерно то же, что некогда с Рембрандтом среди «малых голландцев»: они оказались слишком драматичными для клиентов, слишком проблемными для третьего сословия.

Так называемое актуальное искусство, обслуживающее современный средний класс, завершило процесс. Теперь всякий может быть художником, всякий может стать потребителем искусства, а стоимость произведения складывается из оборота общих интересов. Новый средний класс хочет ярких символов свободы так же страстно, как некогда голландский бюргер — натюрморта с ветчиной, а французский рантье — пейзажа с ракитой. Дайте нам холст с полосками и свободолюбивую инсталляцию — мы поставим это в новой квартире, и наши знакомые узнают, какие мы прогрессивные люди.

Мещанину нужно, чтобы ему говорили, что он велик и свободен, а знать, чего стоит свобода или что где-то есть рабы, ему не обязательно.

Совокупная стоимость свободы

В Средние века создание произведения искусства было занятием трудоемким и дорогостоящим, а потребление конечного продукта — делом простым.

Прогресс все изменил. Понятие «произведение» заменили «проектом». Проект — это сложносоставной продукт, это объединенные усилия галереи, рекламы, куратора, художника, и собственно труд художника занимает в нем ничтожно малую часть. Прежде различали картины, но не интересовались личностью автора, продавали конкретные произведения, а не имена. Итальянское Возрождение проявляло мало интереса к самому творцу — внимание сосредоточивалось на его творениях. В новые времена личность артиста, его социальная роль, степень модности важнее произведения; рынок спешит донести до клиента, какую марку одежды артист предпочитает, что пьет, где проводит каникулы; этим они и различаются, а произведения — довольно похожи.

Было бы затруднительно предпочесть одну картину Мондриана другой, невозможно любить один квадрат, а другой — не любить, но всем известно, чем позиция Мондриана отличается от позиции Малевича.

Сложносоставной продукт, с которым имеет дело рынок искусств, по-прежнему именуется духовным, но духовное содержание рынок переместил из произведения в область менеджмента.

Победившее третье сословие нуждалось в галереях, объясняющих клиентам, почему данную картину надо покупать. Лоренцо Великолепный в услугах галериста не нуждался, он сам понимал, что ему нужно; а вот Журдену, который хочет быть как Лоренцо Великолепный, галерея необходима. Впоследствии галеристов потеснили кураторы — пришла пора механизации производства, массового характера художественной деятельности, и потребовались контролеры, сортирующие художественные потоки. Куратор — это уже не продавец, но менеджер по маркетингу.

Характерно, что профессия галериста при этом сохранилась, просто в искусстве возник еще один посредник. Сегодняшний рынок увеличивает количество посредников при сбыте товара обратно пропорционально труду, затраченному на изготовление продукта.

Труд художника сам по себе ничего не стоит, но, проходя через соответствующие инстанции (мнение галереи, рекомендации кураторов, сертификаты музеев), он превращается в товар. Причем каждая из инстанций имеет свой материальный интерес и, соответственно, повышает товарную стоимость изделия. Так пальто, сшитое сербскими наемными рабочими, увеличивает товарную стоимость, если его скроили в Венгрии, пришили к нему английскую бирку, а продают в России. Трудовой процесс, как правило, занимает минуты: прибить палочку, сфотографироваться обнаженным, закрасить квадратик. Однако сопутствующая деятельность (организация и презентация выставок, реклама, пресса, транспорт, страховка, каталоги, фильмы и т. п.) требует огромных денег, и стоимость этого процесса входит в совокупную цену произведения.

Соответственно, прибыль по отношению к себестоимости труда увеличивается в разы: современное искусство, производящее неодушевленный товар, значительно дороже искусства прежнего, которое возилось с процессом одушевления произведения. Разумеется, прибыль от искусства целиком зависит от менеджмента. Объявив данное искусство символом свободного самовыражения, куратор вправе рассчитывать, что цивилизация (которая провозглашает свободу своей главной целью) хорошо данный символ оплатит. Профессия куратора сделалась куда более важной для искусства, нежели работа художника, — подобно тому, как деятельность генерального менеджера нефтяной компании важнее для бизнеса, чем труд рабочего, стоящего у помпы.

Дешевая энергия — дорогой товар

У нефтяников есть труба, у металлургов — алюминиевый карьер, у чиновников есть так называемый административный ресурс, который можно продавать как газ и нефть. Так неужели автономная область производства — искусство — не может быть использована по тому же принципу?

Подход к искусству был таким же, как в нефтяной отрасли: брали дешевую природную энергию, монополизировали добычу, повышали спрос, загоняли по спекулятивным ценам. Этой дешевой энергией стало пресловутое «самовыражение», не обремененное ни знаниями, ни умениями, ни старанием. То, что однажды было предложено авангардом в качестве протеста против коммерциализации искусства, было цивилизацией присвоено и использовано для наживы. Удобство данной энергии в том, что она исключительно легко добывается — практически из любого персонажа, объявленного художником. Разумеется, в этих условиях возрастает роль посредника — того, кто имеет право выдавать сертификат на качество энергии.

Сначала занялись авангардом двадцатых. На вторичный рынок выбросили немереное количество продукта, производили его штабелями. Я был свидетелем того, как директору Бохумского музея прислали факс с репродукцией картины Малевича. Директор отреагировал: а где же на картине подпись? Следующий факс пришел уже с подписью.

Известная коллекция русского авангарда, собранная Харджиевым, была тайно вывезена из Москвы, легализована на Западе стараниями заинтересованных субъектов, а по пути следования увеличилась в несколько раз — трудно ли нарисовать дополнительные квадратики? Известные эксперты авангарда зарабатывали на атрибуциях подделок — это приносило стабильный доход. Самодельный авангард отмывался через музейные выставки и аукционы — и количество посредников в сделке не уступало цепочке лиц, участвующих в реализации нефтепродуктов.

Но подлинный расцвет художественного рынка связан с постоянным производством дешевой энергии — так называемого второго авангарда, символа свободы победившей демократии. Высказывание Энди Уорхола «В будущем у каждого будет пятнадцать минут славы» стало руководством к производству и сбыту. По сути, стратегия современного художественного рынка повторяет стратегию финансовую: замена золотого стандарта на бумажный эквивалент. Во имя движения вперед следует напечатать много купюр без обеспечения, все равно завтрашний прогресс заставит печатать новые.

Устаревшие институты (Министерство культуры, союзы художников) были разумно замещены «школами кураторов» — собраниями тех, кто инициировал художественный процесс. Подобно тому, как золотоискатели огораживают колышками участок добычи, кураторы обозначили участок девственной природы — будущую фабрику звезд. Отменить предыдущую историю искусств, забыть унылых пейзажистов и портретистов было тем легче, что за словосочетанием «союз художников» вставал призрак казарменного общества. Но мы-то теперь строим общество свободы и прогресса! А прогресс можно обслуживать только актуальным искусством, не так ли? Следует начать с нуля — только с неокрепшими душами, не обремененными знаниями истории искусства, можно шагнуть вперед. Так возник проект «актуального искусства», соответствующий стандартам художественного рынка развитых капиталистических стран.

Правда, не прошло и десяти лет, как новоявленные чиновники в точности воспроизвели алгоритмы советской власти: вошли в советы и комиссии, стали друзьями мэра и банкиров, обросли связями в правительстве. Теперь никого не смущает, что правительственный скульптор Церетели открывает Музей современного искусства. Какие могут быть противоречия? И то, и другое — актуальное искусство.

Поскольку демократическая цивилизация постулировала, что в искусстве есть прогресс, а прогресс достигается самовыражением, появился прямой смысл рекрутировать молодую рабочую силу — но и старых мастеров добычи забывать не следует. В конце концов, самовыражение у всех одинаковое.

Незадолго до смерти Пикассо опубликовал письмо, которое не любят цитировать, а когда упоминают, выдают за шутку гения. Написал он следующее: «Настоящими художниками были Джотто и Рембрандт, я же лишь клоун, который понял свое время». Пикассо довольно желчно описал послевоенное поколение — мальчиков, которые любят новые марки машин и спорт, зачем таким искусство? Феномен рынка искусств свелся к перманентному развлечению — и надо этому соответствовать. Тот, кто сможет кривляться, останется на плаву, «прочие не будут опознаны как художники». Письмо наделало много шума: автор — весьма известный художник (правда, отодвинутый несколько в сторону новыми американскими коллегами, в то время мода как раз сместилась в Штаты). Известный критик ответил художнику открытым письмом «Пикассо, вы смеетесь над нами!». Критик пытался доказать художнику, что искусство неуязвимо: «Позвольте, искусство бессмертно! А ваши голубки, ваши арлекины, ваши влюбленные?». Пикассо умер, спор остался незавершенным. Проживи художник чуть дольше и имей возможность наблюдать показательный альянс Эрмитажа с музеем Гуггенхайма в Лас-Вегасе, он бы нашел что ответить.

Где влюбленные? Где-где, в Лас-Вегасе.

Взаимные гарантии неподлинности


Автор: Казимир Малевич

У галериста (как у всякого продавца) есть две несовместимые задачи: продвинуть товар, но не дать производителю сменить посредника. Выполнить их просто, поскольку художник создан галеристом, но и трудно, поскольку художник начинает верить в то, что он творец.

Официально галерист забирает половину стоимости продукта, на деле гораздо больше: художник оказывает покровителю массу дополнительных услуг: декорирует резиденцию, сочиняет подарки к именинам, публично демонстрирует преданность. Такие неуставные отношения есть реальность художественной жизни, хотя с искусством связаны мало. Более всего это напоминает труд солдат на генеральских дачах — кладка забора, безусловно, является армейской службой, но к ратному делу не относится. При этом галерея тщится играть роль двора Медичи или Гонзага, хотя оснований для этого мало. Галерист — посредник, именно в качестве посредника востребован, но, чтобы его деятельность была успешной, он должен представляться законодателем вкусов. Ситуация забавная: зависимый человек, ищущий покровительства банкиров и чиновников (галерист), опирается на стоящего ниже себя на социальной лестнице (художника), чтобы улучшить собственный имидж.

Галерист снабжает вывеску заведения перечнем «своих» художников — у крупных воротил этого бизнеса такой список наполовину состоит из имен известных покойников. Делают так затем, чтобы имена живых оказались в выигрышной компании. Скажем, галерея приобретает литографию Пикассо и офорт Дали — вещи, вообще говоря, тиражные. Однако это дает право в художниках галереи указывать Дали, Пикассо, Пупкина и Попкина — незаурядный набор имен. Подобные перечни схожи с известным списком Павла Ивановича Чичикова, но никто не хватает галериста за руку: все вокруг торгуют мертвыми душами. Чтобы фальшивые списки поднялись в цене, галерея пропускает собрание через музей — отмывает его так же, как рэкетир неправедно нажитые деньги в ресторане и казино. Чтобы музей принял сомнительное собрание, его директора связывают обязательствами правительственные чиновники и банкиры. Чтобы банкир или чиновник был заинтересован в современном искусстве, он должен бояться оказаться немодным и не соответствовать общему положению дел.

Ирония ситуации состоит в том, что все участники современного художественного рынка повязаны взаимным страхом и круговой порукой: невозможно одного из участников уличить во вранье, чтобы не посыпалась вся сложная система отношений и ценностей. Мои квадратики — неподлинные? Позвольте, а ваши рейтинги что, настоящие? Мои рейтинги ненастоящие? А ваши деньги, простите, какого происхождения?

Нельзя сказать, что папы и короли былых времен были честнейшими людьми, но они не были трусами, искусство заказывали от широты душевной — а не пряча краденое. История искусств сохранила для потомков имена великих пап и королей, незаурядных заказчиков великих творений; история искусств помнит отчаянных коллекционеров, собиравших вопреки общему мнению непризнанные шедевры. Однако история искусств практически не помнит владельцев галерей — чтобы быть успешным, галерист должен проявлять такие человеческие качества, которые величию не способствуют. Впрочем, современный рынок нуждается не в величии, а в адекватности.

Время кураторов

Ежегодно в мире проходят десятки ярмарок, актуальное искусство устраивает смотры достижений. Галереи, подобно домам моды, выставляют осенние и зимние коллекции — предлагается соответствовать лучшим образцам. Парадокс состоит в том, что лучшее не значит великое. Великие произведения больше никому не нужны: великое ставит под сомнение продукцию соседа, быть великим невежливо и недемократично. Комиссар биеннале авторитетно утверждает: великих художников больше нет. И не нужны они свободному обществу — но сколь же возросла роль куратора!

Вот куратор стоит под лучами юпитеров, суровый человек, проницательный и адекватный. Почему-то кураторы внешним видом своим копируют киногероев (тяга казаться героическим сохранилась, хотя героизм и отменили) — они одеваются в темное, сжимают губы в ниточку и буравят пространство взглядом. Можно подумать, они сделали в жизни нечто бескомпромиссное и героическое, но нет, не сделали и никогда не сделают. Их общественная роль — уберечь рынок от героического и великого. Сообразно убеждениям и сущности кураторам бы надо носить байковые пижамы в горошек, они же рядятся в черные бушлаты десантников.

Настало время кураторов —не творцы, а они, некогда маленькие незаметные служащие, теперь правят бал. Уж они искусству попомнят! Уж они поставят на место этих выскочек. Вообразите такую страшную сказку: ожившую Галатею заставляют окаменеть заново, из произведений искусства — картин, статуй, рисунков — специальным прибором изымают душу, то самое «маленькое ощущение», которое искал Сезанн. Отныне душой искусства (смыслом, содержанием, гордостью, страстью) распоряжается ведомство кураторов. Отныне искусство будет дополнением к концепциям кураторов, правда, у кураторов нет оригинальных концепций, кураторы хороши тем, что они стандартные люди, — такая вот у нас сложилась ситуация. Так однажды уже старались сделать комиссары при советской власти — внедряли цензуру; у них, правда, не получилось. Теперь получается лучше, потому что у рыночного демократического общества задачи обширнее — величие изымается отовсюду: из политики, из творчества, из жизни вообще. Рынку нужны адекватные функционеры.

Распространено мнение, будто рынок двигает искусство, помогает выявить лучшее произведение. На деле все обстоит прямо наоборот — рынок всегда способствовал забвению крупных художников, концентрируя внимание на салоне. Салон (то есть усредненное представление о моде и потребностях общества) побеждал всегда. Штучный товар рынку неинтересен: Боттичелли, Эль Греко, Рембрандт были забыты и умерли в нищете. Один из величайших художников человечества Козимо Тура (сегодняшний читатель не знает этого имени, зато знаком с успешным фигурантом рынка Энди Уорхолом) на склоне лет писал жалкое письмо, адресованное синьору Эрколе д’Эсте, в котором просил три (!) дуката. Не получил.

Судьбы Ван Гога, Модильяни, Филонова наглядно демонстрируют возможности рынка.

Никакой сегмент рынка не существует отдельно от рынка в целом, в том числе рынок искусства непосредственно связан с основными пунктами торговли — рынком войны, рынком власти, рынком финансов. Надо принять как факт то обстоятельство, что нездоровое общество, принимающее неравенство и нищету внутри самого себя, но вразумляющее далекие народы при помощи убийств, поощряет самовыражение своих подданных в суммах, превышающих стоимость жизни многих бедных людей. Это не такое сложное уравнение, как кажется. Человек, обученный считать прибыль, может учесть и эти обстоятельства. Декоративная функция, которую выполняет искусство, не случайна: многие вещи хорошо бы спрятать, о них хорошо бы не думать. Дикое существование искусства в современном западном обществе довольно точно воспроизводит феномен, описанный выражением «потемкинская деревня».

Мы живем в мире, где стоимость не соответствует ценности, цена не соответствует качеству, значение не соответствует внешнему виду. Рынок искусств успешно воспроизвел эти обстоятельства внутри себя.

Инсталляции Дамиена Херста стоят дороже, чем картины Петрова-Водкина или Модильяни, бессмысленный холст Джексона Поллока стоит больше, чем великий холст Рембрандта, — и это происходит ровно потому же, почему пенсии дешевле, чем обед в ресторане.

Если принять логику, по которой самое могущественное государство, являющееся гарантом свободы в мире, законодателем моды, мерилом справедливости, тратит на войну в десятки раз больше, чем на мир, — если принять эту логику за норму, то можно пережить и логику художественного рынка.

(juk71 @ 06.09.2010 - время: 22:30) "Не вари козлёнка в молоке матери его".


Про козла не понял. Вы это к чему?


Вы тоже считаете квадрат трёхмерным?  новая геометрия Римана-Лобачевского-Малевича.

Нет, конечно. Количество измерений не определяет ценность произведения искусства.

вот статья Максима Кантора....

Ничего нового он не написал. Есть потребительская цена произведения, а есть его художественная и историческая ценность. Это разные вещи. Потребительская цена определяется рынком, а вот художественная ценность денежного выражения не имеет.

(mjo @ 07.09.2010 - время: 15:45) Про козла не понял. Вы это к чему?


Вы тоже считаете квадрат трёхмерным?  новая геометрия Римана-Лобачевского-Малевича.

Нет, конечно. Количество измерений не определяет ценность произведения искусства.

вот статья Максима Кантора....

Ничего нового он не написал. Есть потребительская цена произведения, а есть его художественная и историческая ценность. Это разные вещи. Потребительская цена определяется рынком, а вот художественная ценность денежного выражения не имеет.
Ю. Поляков "Козлёнок в молоке". прочитайте. Долго обьяснять.


Ничего нового он не написал. Есть потребительская цена произведения, а есть его художественная и историческая ценность. Это разные вещи. Потребительская цена определяется рынком, а вот художественная ценность денежного выражения не имеет.
Вот саме главное в этой статье.


Мы живем в мире, где стоимость не соответствует ценности, цена не соответствует качеству, значение не соответствует внешнему виду. Рынок искусств успешно воспроизвел эти обстоятельства внутри себя.

Инсталляции Дамиена Херста стоят дороже, чем картины Петрова-Водкина или Модильяни, бессмысленный холст Джексона Поллока стоит больше, чем великий холст Рембрандта, — и это происходит ровно потому же, почему пенсии дешевле, чем обед в ресторане.
Без такой высокой потребительской цены "Черного квадрата" никто бы никогда не обратил на него такого внимания. обсуждение этой картины с позиции искусства только потому и возможны, что кто то когда то объявыил её великой. Тут вот Ylot так много в защиту этого вадрата процитировал, а ведь убери из его текста "черный квадрат" и вставь "содержиое памперса маленького ребёнка" и ничего не изменится. Оно (это содержимое) ведь тоже в каждом конкретном случае уникально.

(juk71 @ 07.09.2010 - время: 17:09) Ю. Поляков "Козлёнок в молоке". прочитайте. Долго обьяснять.




Если это тот Поляков, который редактирует "Лит. газету", то обязательно почитаю.



Без такой высокой потребительской цены "Черного квадрата" никто бы никогда не обратил на него такого внимания.

Тут Вы ошибаетесь. На эту картину обратили внимание сразу же, как только она была представлена (1915 г.). Малевичу даже пришлось сделать несколько авторских копий! Т.е. потребительской цены она тогда практически не имела.

обсуждение этой картины с позиции искусства только потому и возможны, что кто то когда то объявыил её великой. Тут вот Ylot так много в защиту этого вадрата процитировал, а ведь убери из его текста "черный квадрат" и вставь "содержиое памперса  маленького ребёнка" и ничего не изменится. Оно  (это содержимое) ведь тоже в каждом конкретном случае уникально.

Ваши доводы сводятся к простой и очень распространенной в некоторых кругах тезе: "Если я чего-то не понимаю, то никто этого не понимает. Но делают вид, что понимают исключительно из желания меня унизить. Или врут чтобы выглядеть умнее меня, любимого". Довольно сомнительная позиция.
Добавлю только, что разговоры об этой картине между профессиональными искусствоведами идут последние 100 лет, не утихая. Это конечно же заговор, чтобы заработать денег.
И еще, "Черный квадрат" написан без применения черной краски, и Малевич вешал ее обязательно широкой стороной вверх.

QUOTE
Без такой высокой потребительской цены "Черного квадрата" никто бы никогда не обратил на него такого внимания.


Тут Вы ошибаетесь. На эту картину обратили внимание сразу же, как только она была представлена (1915 г.). Малевичу даже пришлось сделать несколько авторских копий! Т.е. потребительской цены она тогда практически не имела.

QUOTE
обсуждение этой картины с позиции искусства только потому и возможны, что кто то когда то объявыил её великой. Тут вот Ylot так много в защиту этого вадрата процитировал, а ведь убери из его текста "черный квадрат" и вставь "содержиое памперса  маленького ребёнка" и ничего не изменится. Оно  (это содержимое) ведь тоже в каждом конкретном случае уникально.


Ваши доводы сводятся к простой и очень распространенной в некоторых кругах тезе: "Если я чего-то не понимаю, то никто этого не понимает. Но делают вид, что понимают исключительно из желания меня унизить. Или врут чтобы выглядеть умнее меня, любимого". 00045.gif Довольно сомнительная позиция.
Добавлю только, что разговоры об этой картине между профессиональными искусствоведами идут последние 100 лет, не утихая. Это конечно же заговор, чтобы заработать денег. 00054.gif
И еще, "Черный квадрат" написан без применения черной краски, и Малевич вешал ее обязательно широкой стороной вверх. 00058.gif

Спасибо mjoза поддержку, Вы правильно отвечаете "несговорчивому" juk71, но и у вас есть элементы непонимания.
У "ЧК" - нет верха и низа. Параллельные стороны у него попарно одинаковые, не прямые!, вогнутые к центру настолько, что человеческий глаз этого не воспринимает. Это ещё один элемент "чистого искусства" применённый в "ЧК".
И копий "ЧК" быть не может, только уже из-за этого элемента написания.
Это чувства и эмоции, а они неповторимы!

Отвечу сразу и juk71(у).

Леонид Каганов
15 июля 2010
Художественные рассказы дилетанта:
Как я понимаю Черный квадрат Малевича
Я не художник и не знаток живописи, я дилетант.
Но, возможно, я слышал чуть-чуть больше, чем другие дилетанты. И умею объяснять чуть-чуть лучше, поскольку в силу профессии долго тренировался в этом искусстве.
Поэтому сегодня я расскажу вам интересную историю, как я понимаю — черный квадрат Малевича.
История адресована тем, кто любит выступать в духе:

«А кто такой Малевич?
Что вы с ним так носитесь?
Какое говно его черный квадрат!
Каждый дебил такой нарисует!
Даже я так нарисую!
Объясните для тупых хоть кто-нибудь, что означает это ваш черный квадрат?»

Итак, только сегодня!

Объяснение для тупых!

Что означает «Черный квадрат» Малевича

Для начала представьте себе кучу мусора — осколки разбитой глиняной чашки, старой и дрянной. Вопрос: что означает для вас эта разбитая чашка? Ответ: ничего, пустое место, куча мусора. Каждый может разбить чашку, и ничего умного в этом нет. Запомним этот факт.
А теперь слушаем историю.
Жил в Древней Греции философ Диоген. Всю жизнь он посвятил разработке собственного философского учения, суть которого заключалась в том, что духовной глубины можно достичь в простоте, близости к природе и отказе от роскоши. Поэтому Диоген жил в бочке, питался подножным кормом, а из вещей имел лишь глиняную чашку. При этом надо понимать, что он был не бомж, а очень уважаемый человек — философ, ученик философа Антисфена, учитель, сам имеющий множество учеников и последователей. Конечно не все греки были готовы бросить дом и принять его образ жизни, но все прислушивались с интересом, и многим греческим гражданам его идеи помогли избавиться от мусора в квартирах и головах. Сам Александр Македонский однажды приехал познакомиться с великим философом, но когда он встал у бочки и спросил, что может сделать для Диогена, тот ответил в полном соответствии со своим учением: «Отойди, не загораживай солнце». Чем заслужил у Македонского огромное уважение.
Проясним один важный момент. Какой-нибудь совсем неумный гражданин на этом месте может сказать: а не дурак ли был тот Диоген и не говно ли его учение? Правильный ответ таков: дурак тот, кто отвергает то, что не подходит лично ему — как та крыловская свинья, которая любила желуди, но не любила дуб. Идеи Диогена оказали влияние на многие последующие учения и — кто знает? — возможно, даже на христианство. В любом случае он сделал свою часть работы, обогатив сокровищницу древнегреческой философии точно так же, как философ Аристипп — идеями гедонизма о смысле жизни в удовольствиях. Без них эта сокровищница была бы ущербна и недоукомплетктована как ваш перочинный ножик с отломанным лезвием — даже если вы этим лезвием никогда не пользовались.
Так вот, однажды Диоген увидел, как мальчишка пьет из ручья воду, зачерпывая ее пригоршней. И с криком «вот оно! как же я столько лет не догадывался!» — разбил свою чашку, и с тех пор ел и пил только руками. В этот момент он, как сказали бы буддисты, обрел просветление. Поскольку нашел последнее недостающее звено для своей теории.
Теперь, когда вы в курсе истории, что для вас означает разбитая чашка Диогена? Правильно: теперь для вас это — идея Диогена о простоте.
Так вот, с "Черным квадратом" Малевича — точно та же штука!
Казимир Малевич не был фриком или юродивым художником-самородком, который бухает абсент, малюя в белой горячке гениальные полотна. Нет, это был очень серьезный мужик, крупный профессор и теоретик. У Малевича был квадратный подбородок и лицо, какое подошло бы генералу танковых войск. Он занимал должность директора института культуры, преподавал, возглавлял школы живописи, писал брошюры, у него было множество учеников, его ценили коллеги по всему миру. И всю жизнь Малевич работал над своей теорией — теорией супрематизма. Кому интересно — прочтет подробнее, а для остальных, сильно упрощая, скажем, что это то же, что у Диогена, только в области живописи: путь к чистому искусству через максимальную простоту геометрических форм и цветов. Учение Малевича оказало влияние на всю последующую живопись. А картина «Черный квадрат» явилась главным флагом супрематизма — как та разбитая чашка у Диогена. И в этом смысл картины. И ценят ее не за то, что он черный, и не за то, что квадрат.
Мораль: некоторые картины нельзя оценивать по внешнему облику без знаний. Если не потрудиться поинтересоваться вопросом, можно всю жизнь тупить, что ты самый умный, а какие-то дебилы бьют чашки и рисуют квадратики. И кричать, что разбить чашку и нарисовать квадрат может любой дебил. Может. Вот только учение создать не может, поэтому «Черный квадрат» Малевича уважают во всем мире, а черный квадрат дебила — нет.
PS: Если ты прочитал все это, но продолжаешь повторять «а все равно квадрат говно, такой и я нарисовать смогу», то тебе не следует вообще интересоваться искусством и философией, а следует отправиться в цирк подрочить на акробата, который бегает по канату, жонглируя десятью кеглями.
Так ты не сможешь.
© Леонид Каганов
Извини дорогой, но это так, значит Лёня прав!

Когда говорят: "Я не понимаю ... картину, стихи, скульптуру... " Но это не физика, что б понимать. Это вещи не для понятия, эти вещи для чувства. Их надо чувствовать.
Они не для ума созданы. Они созданы для сердца!

Кто-то, восхищается "Венерой Милосской", кто-то, "Черным квадратом", а мне, больше Рембрандт и Боттичелли нравятся...

P.S. Пускай висит...хлеба не просит...

У Татьяны Толстой есть очерк "Квадрат". Как раз про тот квадрат. Неплохо написано, как впрочем и многое у неё.

до 19 века евреев в художниках не было. они занимались банковским делом, торговлей. потом там все поделили. и они стали искать новые сфера приложения и добычи денег. "черный квадрат", один из видов этого "искусства". бездарно намалевать, геометрическую фигуру, а потом убедить всех что это шедевр. отличная пиар компания. не зря доктор Геббельс назвал абстракционизм - дебильным искусством.

лошкин, МИШКА-РОМАНТИК, Atlantique, Ник 35

naroооо....d!!!

Вам Sex в голову ударил ?!

Читайте выводы Лео Каганова!

Хостинг фотографий

(Ник 35 @ 01.03.2012 - время: 11:10) до 19 века евреев в художниках не было. они занимались банковским делом, торговлей. потом там все поделили. и они стали искать новые сфера приложения и добычи денег. "черный квадрат", один из видов этого "искусства". бездарно намалевать, геометрическую фигуру, а потом убедить всех что это шедевр. отличная пиар компания. не зря доктор Геббельс назвал абстракционизм - дебильным искусством.
До чего замечательная штука антисемитизм. Все можно обьяснить! Особенно то, что не понимаешь.
Кстати, "Черный квадрат" это не абстракционизм.

мое восприятие искусства остановилось на импрессионистах. Малевич и ко искали новые пути самовыражения - молодцы. Но... это философия, психология, но никак не живопись. А самое ужасное, что по мотивам подобных поисков в живописи, музыке, литературе, возникло общественное мнение, что искусство - это простое самовыражение. И теперь, извините, любой чих можно раскрутить, как величайшее достижение в области чего хочется.

(mjo @ 03.03.2012 - время: 00:59) До чего замечательная штука антисемитизм. Все можно обьяснить! Особенно то, что не понимаешь.
Кстати, "Черный квадрат" это не абстракционизм.
я счастлив то вы глядя черное пятно все так хорошо понимаете.

иллюстрация китайского художника Сенг Ен Хим

(Ted_dy @ 16.04.2006 - время: 16:25) Привет!

Каждый раз, посещая Эрмитаж, я захожу на третий этаж. Много там картин, которые радуют мой глаз. Но каждый раз, проходя мимо "Черного квадрата", я испытываю некоторое удивление. Я терпимо в целом отношусь к искусству, но почему-то мне кажется, что эта картина не имеет художественной ценности.

Может быть я не прав и мы должны воспринимать художественное произведение вместе с его историей и социальной обстановкой, в которой оно написано? Или же нет?

А что вы думаете по этому поводу?

Ф.
несомненно, это искусство, и просто так в Эрмитаже ничего не висит. Однако эта гениальная картина является бесстыдным плагиатом! Обратите внимание на флаг в нижнем правом углу:

Вот еще фото:

Это казачьи знамена, захваченные литовским гетманом Янушем Радзивиллом при взятии Киева в 1651 году

А вот что висит в Третьяковке:
Хостинг фотографий

Нет, ну правда, при желании в квадрате можно много всего разглядеть, и это впечатляет (краска зверски облупилась ). Мне кажется, что вижу Россию в образе грустного слона, который уходит за край картины и больше никогда не вернется...

А версию "чёрного квадрата" 3D где можно посмотреть?

(ih5656 @ 10.03.2012 - время: 19:49) А версию "чёрного квадрата" 3D где можно посмотреть?
Тады енто буит чорный куб

ну квадрат же этот вроде нарисован от руки.без линеек и тд.поэтому типа ценность
или это бутафор?

Глядя на тех кто тащится от чёрного квадрата - сразу-же вспоминается скаэка Андерсона о голом короле.