Лучшие Вокалисты и Вокалистки!

CéU, чьё полное имя Maria do Céu Whitaker Poças – бразильская певица из São Paulo, Brazil. Родилась 17 апреля 1980 года в семье музыкантов. Её папа был композитором, аранжировщиком и музыковедом. Именно от него CéU заразилась любовью к бразильской классической музыке, особенно Heitor Villa-Lobos, Ernesto Nazaré и Orlando Silva.

В возрасте пятнадцати лет она решила стать музыкантом и посвятила свои ранние годы изучению теории музыки. В качестве музыкального инструмента он выбрала для себя violão (бразильская гитара с нейлоновыми струнами). В её песнях можно найти влияние многих стилей и направлений, как то samba, вальс, choro, soul, rhythm and blues, hip hop, afrobeat и electrojazz.

Как говорит сама CéU »У меня страсть к черной культуре, от джазовых певиц до африканских ритмов. Мне интересно всё, что пришло из Африки. У меня очень сильная связь с корнями samba, которую мы называем ‘Samba de raiz’ (корни самбы). Я слушаю много старого винила и стараюсь привнести то звучание в свои cd-альбомы, смешивая с современными вещами, такими как rap или brega – свежее веяние в Бразилии».

Особенно в её творчестве слышно влияние Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Lauryn Hill и Erykah Badu.

В юности CéU на некоторое время переехала в Нью-Йорк, где ей посчастливилось познакомиться известным бразильским музыкантом Antonio Pinto, который стал её соседом по квартире, когда испытывал денежные трудности. Через некоторое время выяснилось, что они дальние родственники и их отношения возобновились для того, что бы записать альбом CéU. К ним присоединился продюсер Beto Villars – автор музыки к фильму O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias. Pinto, который спродюссировал песню «Ave Cruz» – автор музыки к 2м номинировавшимся на Оскар фильмам – Central Station (1999) и City of God (2003) .

Первый её self-titled альбом вышел в 2005 году в São Paulo-based на лейблах Urban Jungle и Ambulante Discos (последний принадлежит Beto Villares), был переиздан в 2007 году в США и Англии лэйблами Six Degrees/Starbucks/Hear Music. CéU была номинирована на Latin Grammy 2006 в категории Best New Artist и в 2007 году была номинирована на Grammy в номинации Best Contemporary World Music Album (в которой, напомню были так же номинированны Gil GIlberto и Bebel Gilberto). CéU стала очень популярна во Франции (где её признали одним из открытий 2005 года), Голландии и Италии. В Канаде она стала четвертой по продажам дисков и заняла 32 место в поп-чартах. В Америке она стала первым иностранным артистом ставшим частью программу Starbucks’ Hear Music Debut Series. Её альбом получил лестные отзывы в NPR’s Morning Edition, The Associated Press, Reuters, где её называли «…свежее лицо в Бразильской музыке». Она стала самым продаваемым бразильским исполнителем в США в 2007 году. CéU заняла беспрецедентно высокие для бразильской исполнительницы места в чартах Billboard (1я строчка в Billboard’s Heatseekers (New Artist) Chart, 57я В Billboard Hot 100 и 1е место в Billboard’s World Music charts).

А эта вокалистка годится для попадания в данный топик? Или участие в рок-опере еще не повод?

Вообще то участие в опере для Ивонны Эллиман было только началом довольно плодотворного творческого пути:
Альбомы

* 1972 — Yvonne Elliman
* 1973 — Food of Love
* 1975 — Rising Sun
* 1976 — Love Me (#68, US)
* 1978 — Night Flight (#40)
* 1979 — Yvonne (#174)
* 1995 — The Very Best of Yvonne Elliman
* 1997 — The Best of Yvonne Elliman
* 1999 — If I Can’t Have You
* 1999 — Yvonne Elliman
* 2001 - The Collection
* 2004 - Simple Needs
* 2004 — 20th Century Masters — The Millennium Collection: The Best of Yvonne Elliman

Ивонн Эллиман родилась 29 декабря 1951 г. в Гонолулу, Гавайи.
Во времена обучения в школе она пела в группе "We folk", до того как переехать в Лондон. В 1969 году она пела в лондонских клубах, на Kings Road и Chelsea, где ее и нашли Райс и Уэббер, которые предложили ей роль Марии Магдалины в "Jesus Christ Superstar" ("Иисус Христос - суперзвезда"), таким образом, представив всеобщему вниманию. Она участвовала как в фильме, так и в шоу, поставленном на Бродвее. Также, эта роль дала ей первый хит - сингл "I Don't Know How To Love Him" 1972, ее дебют для фирмы Polydor. Ян Гиллан (Deep Purple) впоследствии подписал с ней контракт. Ивонн записала альбом для Decca Records в Нью Йорке перед возвращением в Лондон.
Выступая в Бродвейской постановке Jesus Christ Superstar она встретила и вышла замуж за Билла Ока (Bill Oakes), президента RSO. Через Билла она была представлена Эрику Клэптону и приглашена бэк-вокалисткой для сингла - "I Shot The Sheriff". Затем подписала контракт с RSO и сольно записала "Rising Sun", который продюсировал Steve Cropper. Ее следующий альбом "Love Me" попадает в UK Top 10 Hit. В 1977 г. она записала саундтрек "Saturday night fever" с Bee Gees.
В последующие годы она сконцентрировалась на сессионной работе, хотя, в 1980 году записала дуэт со Стефаном Бишоп (Stephen Bishop).

На мой взгляд лучшие её достижения, кроме конечно оперы, пришлись на 75-й.




Остальное уже боле дисково и эстрадно.

Лучшим Рок -вокалом всех времён и народов считаю ДИО.., потом Йен Гиллан.
А если н а роке не зацикливаться то выдающиеся вокалы это Harasucu (до сих пор непревзойдённое исполнение "Призрака оперы", ритмичное и лёгкое - не то, что Басков - как будто кирпичи разгружает),
Пелагея, конечно (хоть и поёт всякую ерунду), и, пожалуй В.Меладзе.

По молодости (ещё в Николаеве, когда его никто не знал) он записал альбом с рок группой "Диалог". Пожалуй, это лучшее, что он сделал в качестве вокала.
"Диалог" была аналогом группы "Yes", претендующей на некую сложную музыку.., некий интеллектуальный рок.
"Осенний крик ястреба" - это нечто. Вершина советского рока.
dialog_1993_02_cry-of-the-hawk.mp3

ИЛИ ЗДЕСЬ МОЖНО СКАЧАТЬ

(Варан Тугу @ 07.12.2009 - время: 22:41) Лучшим Рок -вокалом всех времён и народов считаю ДИО.., потом Йен Гиллан.

Ну так рассказали бы о них. Там действительно есть очень много интересного.

Этож всё равно, что рассказывать о Ленине в Советском Союзе.
Что нового я могу рассказать?

Моё мнение, Дио в качестве вокала в Блэк Саббате - это вершина Хард Рока, потом всё пошло на убыль. Как нибудь розыщу файлы, дам ссылки.
Не потому, что кто-то может не знать этих произведений, а просто интересно совпадает ли моё ощущение лучшего в хард роке с ещё чьим либо.

Тогда я попробую о ДИО в 2-х словах
CODE

Ронни Джеймс Дио (англ. Ronnie James Dio, настоящее имя Рональд Джеймс Падована, англ. Ronald James Padovana;)родился 10 июля 1940 года (хотя сам он редко когда называет год своего появления на свет, отшучиваясь: "Мол, не в возрасте дело, главное - музыка) в Портсмуде, Нью-Хэмпшир, однако практически все свое детство провел в местечке Кортланд, что в штате Нью-Йорк. В последствии, мэрия города и его горожане по достоинству оценили пребывание знаменитого вокалиста в черте Кортланда, назвав одну из улиц города именем Дио - "Dio Way", торжественное открытие (а вернее - переименование) состоялось 15 ноября 1988 года. Однако прежде чем заслужить такое почетное право, Ронни пришлось пройти немалый путь к славе, который отнюдь не всегда был усеян одними лишь розами. Любовь к музыке у Дио возникла одновременно с увлечением художественной литературой, что впоследствии нашло отражение не только в песнях, но и в имидже певца. "Я всегда был без ума от романов Вальтера Скотта и разной фантастики, - говорит Дио. - Эти книги я читал просто запоем. Но и "знайкой" меня тоже нельзя было назвать - не меньше времени у меня уходило на занятия спортом. Я играл в школьной футбольной команде, и мной гордились и друзья, и учителя, и даже родители". Однако, в конечном счете, предпочтение Ронни отдал музыке, и в 1957 году появилась первая группа с его участием - Ronnie & The Red Caps. Правда в те далекие годы будущий певец еще и не подозревал о своих вокальных способностях! Еще в школе Ронни получил в подарок от отца трубу, и несколько лет брал уроки игры на этом инструменте, а затем взялся осваивать бас-гитару. В роли бас-гитариста Дио и начал свою музыкальную карьеру. Но уже в начале 60-х он переквалифицировался вокалисты, при этом не выпустив из рук свою бас-гитару. Теперь, став полноправным лидером группы, Ронни решает взять себе псевдоним и переименовать просто "Ronnie & The Red Caps" в пафосную "Ronnie Dio & The Prophets". Под этим именем компания школьных друзей выпустила несколько синглов и один полнометражный альбом 'Dio At Domino's', который был записан в течение одного дня - 24 февраля 1963 года. Однако продолжения не последовало и, просуществовав еще четыре года, группа распалась. Причиной этому послужил уход Дио и гитариста Ника Пэнтаса, основавших новую группу The Electric Elves (позднее название сократили до The Elves). Судьба этого коллектива Дио оказалась менее удачна - в 1970 году группа попала в автокатастрофу, в которой погиб Ник Пэнтас. Но, как говорится, не бывает худа без добра! После аварии Ронни Джеймс Дио и еще двое музыкантов распавшейся группы объявили о создании новой формации под названием Elf. Это знаменательное событие произошло в конце 1970 года. Но фактически Elf не был новой группой, а являлся скорее логическим продолжением The Elves.
Elf с успехом давали концерты в различных клубах и барах, на одном из которых - в январе 1972 года - побывали двое музыкантов Deep Purple - Роджер Гловер и Ян Пейс. Результатом этого знакомства стал дебютный альбом группы под названием 'Elf', который был записан в апреле того же года под чутким руководством продюсеров из Deep Purple. Более того, в качестве рекламы пластинки Deep Purple предложили Дио & Со. поехать с ними в турне по Америке, которое растянулось с августа по декабрь 1972 года. 1973 год для Elf начался с некоторой перемены состава (помимо новых гитариста и клавишника в группы был взят и новый басист, так как Дио решил целиком сконцентрироваться на своем вокале) и с подписанием контракта с "MGM Records" в США и с "Purple Records" в Англии. Правда к записи нового альбома группа приступила лишь год спустя. Как и в прошлый раз, пластинка 'Carolina County Ball' была вновь спродюсирована Роджером Гловером, а после выхода диска Elf вновь отправились на гастроли вместе с Deep Purple. На этот раз тур проходил в Англии и длился два месяца (апрель-май 74-го). В это же время Дио принял участие в записи сольного альбома Роджера Гловера 'Butterfly Ball', где спел три песни. Летом 74-го состоялось еще одно американское турне Elf и Deep Purple, в ходе которого гитарист "темнопурпуровых" Ричи Блэкмор предложил Дио и его музыкантам стать членами его новой группы. Предложение было принято, однако прежде чем расформировать коллектив, Elf записали и выпустили свой третий альбом 'Trying To Burn The Sun' (как не сложно догадаться, продюсером диска снова был басист Deep Purple). Дебютный альбом Ritchie Blackmore's Rainbow с таким же названием вышел в свет в апреле 1975 года и, как это и следовало ожидать, получил поддержку и со стороны критиков, и со стороны фэнов. Не верным было бы утверждать, что успех новой группы принадлежал одному лишь Ричи Блэкмору - вклад вокалиста Ронни Джеймса Дио был не меньшим, чем вклад основателя и творческого мотора группы. Это было подтверждено и первыми кадровыми переменами: в конце того же года от оригинального состава Rainbow остались лишь Блэкмор и Дио.  

С новыми музыкантами - Тони Кэрби (клавишные), Джимми Бейном (бас) и Коззи Пауэл (ударные), была записана вторая пластинка 'Rainbow Rising', после чего группа отправилась в большое турне, результатом которого стал концертный альбом 'Rainbow On Stage' ('77). Группа становилась все популярнее и популярнее, что, впрочем, не явилось препятствием для диктатора Блэкмора, вновь решившего обновить состав своей команды. И вновь, под увольнение не попал лишь вокалист. В обновленном виде Rainbow записывают свой третий альбом 'Long Live Rock'n'Roll' ('78), едут на гастроли и... снова подвергаются кадровой "чистке". На этот раз группу покидают все ее участники (кроме самого Блэкмора, конечно), во главе с Ронни Джеймсом Дио. Трудно сказать, насколько верна версия, что причиной ухода практически всех музыкантов Raibow было желание Ричи Блэкмора играть более коммерческую музыку, но все последующие альбомы группы явно носили мейнстримовый характер. "Радуга" отнюдь не потеряла своей привлекательности, но начиная с 1979 года музыка Блэкмора & Со. стала заметно мягче. Что же касается Ронни Джеймса Дио, то после ухода из одной из своих самых успешных групп, он продолжил гнуть свою рок-н-ролльную линию в составе не менее известной команды Black Sabbath, куда попал уже в мае 79-го года. Сразу же после расставания с Блэкмором, Дио попытался собрать свою группу, о которой думал уже давно, однако пока он искал подходящую фирму, которая взялась бы выпустить его сольный альбом, неожиданно поступило то судьбоносное предложение заменить в Black Sabbath Оззи Осборна! "Но все это произошло не так быстро, - вспоминает Дио. - В то время я находился в Нью-Йорке, а Тонни (Айомми, гитарист Black Sabbath) - на другом побережье, в Лос-Анджелесе. Мы говорили с ним по телефону несколько раз, после чего я прилетел в Калифорнию, в дом Тонни в Беверли Хилс, где и состоялось мое знакомство с этой группой". Результатом джем-сейшена, который состоялся в доме Айоми в первую же ночь, Black Sabbath вместе с Дио написали песню "Children Of The Sea", после чего Ронни был официально объявлен новым вокалистом группы. Несмотря на то, что уход Оззи Осборна из Black Sabbath многими был воспринят как конец карьере группы, альбом 'Heaven & Hell' с Ронни Джеймсом Дио у микрофона был принят довольно хорошо. На ура прошло и первое турне Black Sabbath в новом составе, благодаря которому 'Heaven & Hell' поднялся на весьма престижные места в хит- парадах. Осенью 81-го года выходит новый студийный альбом Black Sabbath 'Mob Rules', вслед за которым следует очередное турне группы, которое в свою очередь впоследствии было запечатлено на концертном диске 'Live Evil'. По иронии судьбы, диск с таким названием стал не только последним альбомом Дио в составе Black Sabbath, но и явился косвенной причиной раскола между основателями Sabbath Тонни Айомми и Гизера Батлера с одной стороны, и Ронни Джеймса Дио и барабанщика Винни Эпписа, с другой. Во всяком случае, после ухода вокалиста и барабанщика, оставшиеся двое музыкантов в многочисленных интервью обвиняли своих бывших коллег в жульничестве во время микширования 'Live Evil'. По их утверждениям, Дио и Эппис специально делали слишком громким звучание своих партий, "задвигая" тем самым звук гитары и баса. Несколько лет спустя Айомми, правда, признался, что его обвинения не имели под собой никакой почвы. "Честно говоря, наши ссоры в студии были только поводом, - говорит Дио. - У нас и без этого были далеко не лучшие отношения. В последнее время мы встречались только в студии и на концертах. Мы не виделись даже в гримерке!" Как бы то ни было, в октябре 1982 Дио и Эппис ушли из Black Sabbath, оставив Айомми и Батлера вдвоем заканчивать микширование злополучного 'Live Evil'. В тот же месяц Ронни Джеймс Дио объявил о создании собственной группы, которую назвали просто Dio. Помимо самого певца, в состав его новой команды вошел его коллега по Sabbath Винни Эппис, знакомый еще по Rainbow басист Джимми Бэйн, и гитарист Вивиан Кэмпбел. Место клавишника некоторое время оставалось вакантным, поэтому партии клавишных делили между собой Бэйн и сам Дио. Перед самым началом работы над дебютным альбомом новой группы, Дио провел неделю в маленьком английском городке, близ которого находился средневековый замок. Именно стены этой крепости и, царящая в этой местности мистическая атмосфера послужили вдохновением для создания альбома 'Holy Diver'. В концепцию альбома входил и гастрольный тур, для которого специально были сделаны соответствующие декорации. В июле 1984 года вышел второй альбом Dio 'The Last In Line', который, как и его предшественник получил в Америке статус платинового диска. И снова большое турне с театрализованным шоу, на этот раз, основывающимся на египетской тематике. Однако все рекорды побил третий по счету тур, в поддержку альбома 'Sacred Heart'. Для концертов этого турне был изготовлен огромный макет средневекового замка и управляемый огнедышащий дракон. По мнению многих критиков, 1985 год был пиком творческой карьеры Ронни Джеймса Дио, после чего популярность певца и его группы несколько спала. По крайней мере фирма грамзаписи Dio не сочла нужным выпускать двойной концертный альбом группы (как было предложено музыкантами), мотивировав это своей неуверенностью в коммерческом успехе этого проекта. Было решено ограничиться лишь мини-альбомом 'Intermission' с пятью концертными вещами и одним новым студийным трэком. Последний, кстати, был записан без Вивиана Кэмпбелла, который покинул группу в марте 1986, незадолго до начала европейских гастролей. На замену был взят Крейг Голди, с которым в декабре 1986 года Dio начали записывать свой четвертый альбом 'Dream Evil'.

Вышедший в мае новый диск был неплохо принят, однако последующее турне выдалось крайне неудачным. Чуть ли не с самого первого концерта музыкантов преследовал злой рок, выражавшийся главным образом в постоянных дорожных авариях с гастрольным транспортом Dio. Тем не менее, это мировое турне, апогеем которого стало выступление на знаменитом фестивале "Monsters Of Rock", было признано одним из лучших туров как самого Дио, так и металлической сцены года вообще. После окончания гастролей, Ронни принялся искать постоянного гитариста, так как Голди предпочел заняться сольной карьерой. Дио пришлось прослушать около пяти тысяч демо-записей самых различных кандидатов на вакантное место, прежде чем его выбор остановился на 19-летнем гитаристе Роване Робертсоне. Несмотря на свой юный возраст, парень подавал довольно большие надежды, чего, видимо не считали Джимми Бэйн и Клод Шнель, покинувшие Dio почти сразу, как только лидер группы назвал имя нового гитариста. В августе 1989 года группа, наконец, была доукомплектована и вместе с новичками Тедди Куком (бас) и Йенсом Йоханссоном (клавишные), Дио начал работу над новым альбомом. В ходе подготовки нового материала перед записью, в составе Dio произошла еще одна замена: место ушедшего Винни Эпписа занял бывший ударник AC/DC Симон Райт. И лишь в конце января 1990 года группа вошла в студию, результатом работы в которой стал альбом под названием 'Lock Up The Wolves'. Турне в поддержку новой пластинки прошло менее скромно, чем все предыдущие, хотя билеты на концерты Dio по- прежнему пользовались большим спросом. А один из концертов турне - 28 августа в Миннеаполисе, стал первым шагом на пути возвращения Ронни Джеймса Дио в Black Sabbath. В этот день, в зале оказался басист Sabbath Гизер Батлер, который вышел на сцену и исполнил вместе с Dio "сэббатовскую" "Neon Knights". "Я спросил у Ронни, нельзя ли мне прийти на его концерт в Миннеаполисе, - вспоминает Батлер, - на что он ответил: "Да, конечно! Только давай тогда сыграем вместе какую-нибудь вещь". А после концерта мы попили с ним пивка, вспомнили былые деньки и подумали, а не собраться ли нам (Black Sabbath) снова вместе?! И Тонни очень понравилась эта идея, он буквально загорелся ей, когда узнал о нашем с Ронни разговоре". Воссоединение Black Sabbath с Ронни Джеймсом Дио состоялось в самом начале 1991 года. Несмотря на то, что к этому времени у Dio уже был готов материал для очередного альбома, вокалист временно приостановил деятельность своей группы, и целиком посвятил себя Black Sabbath. Музыканты принялись за работу над альбомом с рабочим названием 'Heaven & Hell-2', однако сразу предупредили журналистов, что это лишь временный проект, в который входит выпуск альбома и турне, после чего Дио вернется к своей группе. Однако успех альбома 'Dehumanizer' ('92) несколько изменил планы музыкантов, и Дио заявил, что не прочь еще поработать с Black Sabbath. Однако будучи в турне, Айомми и Гизер как и десять лет назад почти все время находились поодаль от Дио и Винни Эпписа, встречаясь с ними лишь на сцене. А когда Оззи Осборн предложил Black Sabbath выступить в первом отделении своих двух "последних" концертах в Коста Меза в ноябре 1992 года, Дио не только отказался участвовать в этом мероприятии, но заявил, что уходит из группы совсем. Остается добавить, что роль вокалиста Black Sabbath на упомянутых концертах исполнял Роб Хэлфорд из Judas Priest, а что касается Оззи Осборна, то его "прощальные" выступления таковыми вовсе не оказались.  "Дело было даже не в том, что я не хотел выступать в "разогреве" у Осборна, как многие считают, - говорит Дио. - Я ушел из Black Sabbath потому что понял, что за прошедшие 10 лет атмосфера в группе ничуть не изменилась. С самого первого дня турне я понял, что все осталось так, как и было. Только этот факт явился причиной моего решения навсегда "завязать" с этой группой". Истории свойственно повторяться. Оставшиеся не у дел Дио и Эппис реформировали Dio, пригласив басиста Джимми Бэйна, и начав поиски гитариста. Правда Бэйн пробыл в группе не более полугода, и в марте 93-го года выбыл из состава. Новым басистом стал Джефф Пилсон из Dokken, а гитаристом - Трэси Г.

В этом составе был записан альбом 'Strange Highways', который вышел в Европе, Японии и США в разное время. Причиной этому были планы мирового турне Dio - в каждой стране диск должен был появиться в продаже непосредственно перед началом той или иной части тура. Но лос-анджелесское землятресение 1994 года нарушило гастрольные планы группы. Из-за серьезных повреждений домов Эпписа и Трэси была отменена японская часть турне и ряд концертов в Америке. В августе 1995 Dio вместе с двумя новыми участниками группы - Джерри Бестом (бас) и Скоттом Уорреном (клавишные), начали работу над следующим студийным альбомом  'Angry Machines',  который на данный момент является  релизом группы.


В 2009 году в прессу просочились сведения что у Дио обнаружен рак желудка.

Собственно все уже слышали... На всякий случай.

Вклад Рэя Чарльза в современную музыку невозможно переоценить: не будь Рэя Чарлза, возможно, не появились бы такие исполнители, как Стиви Уандер, Джо Кокер, Манфред Мэнн, Эрик Клэптон и многих других, считающие слепого пианиста своим духовным отцом. В 1994 году на фестивале МИДЕМ в Монако Рэю Чарльзу был вручен специальный приз за вклад в современную музыку.

Рэй - личность из тех ударников музыкального труда, которым всегда было скучно довольствоваться тем, что есть, которым нужны были открытия и постоянное движение вперед. Один из главных основоположников соула, он успешно расширял границы ритм-н-блюза 50-х за счет госпел-вокала, современного джаза, блюза и кантри. Описывать его судьбу хочется в терминах из нашего полузабытого советского прошлого: передовик, стахановец и многостаночник. Его музыкальные достижения иначе и не оценишь: автор более 70 студийных и концертных альбомов, композитор с 50-летним стажем, обаятельный певец, прекрасный пианист, аранжировщик и руководитель ансамбля. И хотя самые интересные страницы его творческой биографии написаны уже давно и с конца 60-х ему редко удавалось поразить воображение публики, он десятилетиями остается в прекрасной исполнительской форме, продолжает ежегодно записываться и много выступать.

Рэй Чарльз Робинсон (Ray Charles Robinson) родился 23 сентября 1930 года в Элбани, штат Джорджия, в крайне бедной семье. Отца он никогда не знал, его с братом мать растила одна. К нищете скоро прибавилась и неизлечимая болезнь: глаукома год за годом отнимала у мальчика зрение, а к семи годам он совсем ослеп. Незадолго до этого маленькому Рэю пришлось пережить страшный шок, когда родной брат утонул у него на глазах. Читать и писать, а потом и записывать ноты, он научился по методу Брайля. Развивать свои несомненные музыкальные способности мальчик смог в школе Святого Августина для слепых и глухих детей. Здесь он изучал искусство композиции и осваивал музыкальные инструменты, его фаворитом, конечно, сразу стало фортепиано. Ему было всего 15 лет, когда умерла мать, и он остался на попечении первой жены своего пропавшего отца. Не закончив школу, несколько лет парень кочевал по Флориде в поисках любой работы. А скопив небольшую сумму, пересек Соединенные Штаты и обосновался в Сиэтле, где ему удалось устроиться аккомпаниатором в местных клубах и кафе.

К концу 40-х годов Рэй Чарльз уже сотрудничал с небольшими рекординговыми компаниями и записывал гладенькие композиции, смесь поп-стиля и ритм-н-блюза, которые больше всего напоминали Нэта "Кинг" Коула (Nat "King" Cole). Он аккомпанировал себе на пианино и пел, подражая манере Чарльза Брауна (Charles Brown). В 1951 году его песня "Baby, Let Me Hold Your Hand" получила некоторую известность и засветилась в первой десятке R&B-чарта. Впрочем, ранние записи Чарльза мало чем могли привлечь к себе внимание. Неоднократно и вполне справедливо раскритикованные, они звучали холоднее, посредственнее и гораздо менее эмоционально, чем работы его лучшего периода, составившие золотой фонд современной музыки. Хотя сомневаться в мастерстве и исполнительской технике их автора поводов не было.

В начале 50-х звучание его музыки меняется, от подражательных по большей части записей он переходит к самостоятельному оригинальному творчеству. На изменение стиля игры и композиции повлияли гастроли с Лоуэллом Фалсоном (Lowell Fulson), участие в бэк-группе звезды ритм-н-блюза Рут Браун (Ruth Brown), но в первую очередь - студийная работа в Новом Орлеане вместе с Гитар Слимом (Guitar Slim). Рэй играл на пианино и аранжировал его известный ритм-н-блюзовый хит "The Things That I Used to Do". Слим, этот страстный до сумасшествия исполнитель, произвел на Чарльза неизгладимое впечатление.

С 1952 года творческими делами музыканта начинает заниматься лейбл Atlantic Records, и только теперь Чарльз находит свой настоящий голос. Подытоживая опыт прошлых лет и пользуясь лучшими наработками, он создает свой самый популярный и знаковый хит "I Got a Woman". В этой композиции 1955 года Рэй впервые нащупывает свою безошибочную жалобную вокальную манеру, близкую госпелу, которую прекрасно оттеняли упругие, приподнятые аранжировки духовых.

Стиля соул как такового в 50-е годы еще не существовало. Между тем вся работа, проделанная музыкантом в эти годы, как раз и была нацелена на создание более рафинированной разновидности ритм-н-блюза, в которой сохранялось бы все богатство эмоциональных нюансов. Целый ряд наиболее удачных песен Рэя Чарльза, записанных в 50-е, представлял собой именно этот утонченный вариант R&B, который вскоре получит название соула. Самые громкие из его тогдашних хитов - "This Little Girl of Mine", "Greenbacks", "Drown in My Own Tears", "Hallelujah I Love Her So", "Mary Ann", "Lonely Avenue" и "The Right Time". Среди фанов музыканта преобладали чернокожие слушатели, и все перечисленные композиции фигурировали в Тор 10 рейтинга "черных" синглов. Поклонникам поп-музыки понадобился не один год, чтобы оценить оригинальность звучания и мастерство Чарльза. Настоящий прорыв произошел в 1959 году, когда артист представил сингл "What'd I Say (Part I)", в котором скрестились церковная атмосфера, удачно передаваемая трогательным вокалом, и дух рок-н-ролла, донесенный с помощью электрического пианино. Песня "What'd I Say", давно признанная классикой, вошла в репертуар бесконечного количества групп и артистов, поющих на любых площадках, от стадионов до ресторанов. Это был первый в карьере Чарльза сингл, поднявшийся на шестую позицию национального поп-чарта. И один из последних релизов под эгидой Atlantic, с которым артист попрощался в конце 50-х, перейдя на лейбл ABC.

Теперь он был уже не начинающим мальчиком, а знаменитым исполнителем и зрелым автором, который мог диктовать компании АВС свои условия. Одним из них - правом контролировать художественный уровень своих записей - он особенно дорожил. Это моментально сказалось на качестве новых публикаций. Если до начала 60-х в дискографии музыканта не было ни одного по-настоящему популярного альбома, то уже в 1960 году картина резко меняется. Восемь пластинок, изданных в 1960-63 годах, поднимаются в Тор 20 поп-чарта, и это в то время, когда ритм-н-блюзовым альбомам крайне редко удавалось привлечь внимание массовой публики. Отличные лонг-плеи "Genius + Soul = Jazz" и "Ingredients in a Recipe for Soul" делают почти невозможное, покорив 4 и 2 строку национального чарта.

Дела с хитами обстоят так же великолепно. Предоставленный в свое распоряжение, Чарльз знает, как добиваться нужного результата и, лишь слегка отполировав свой ритм-н-блюзовый саунд, в котором достиг совершенства, он выдает на-гора серию хит-синглов, которые приносят ему огромную популярность. Вершинами его карьеры становятся знаменитые хиты "Georgia On My Mind", "Hit the Road Jack", "You Don't Know Me". Они превратили Чарльза в мировую звезду.

В 1962 году он удивил и своих новообретенных фанов, и старую гвардию, решив углубиться в стиль кантри и вообще музыку американского запада. И углубился настолько успешно, что выпустил еще один хит номер один "I Can't Stop Loving You", разошедшийся миллионным тиражом, а затем и замечательный альбом "Modern Sounds in Country and Western Music", который в том же году оказывается на вершине хит-парада. Роскошные аранжировки для этих композиций создавались при участии биг-бэнда, струнного оркестра и хора. Для тех, кто был близко знаком со всей творческой лабораторией музыканта (правда, таких тогда было меньше, чем хотелось бы), в этом "ренегатстве" Рэя Чарльза не было ничего удивительного. Неугомонный в своих поисках и открытый для экспериментов, он всегда был эклектичным артистом, и за время сотрудничества с Atlantic Records, например, неоднократно записывался с известными джазовыми музыкантами Дэвидом Ньюманом (David Newman), Милтом Джексоном (Milt Jackson) и другими.

Если еще раз позволить себе воспользоваться советской терминологией, то Чарльза можно смело назвать шестидесятником. Именно на 60-е пришелся расцвет его композиторского таланта, он проявил себя как исключительно привлекательный вокалист и грамотный аранжировщик. В его активе появились первоклассные хит-синглы "Busted", "You Are My Sunshine", "Take These Chains From My Heart", "Crying Time", "Love Me With All Your Heart", "Together Again". Как и многие его коллеги, он частенько записывал кавер-версии других артистов, среди которых особой популярностью пользовались Beatles. Его каверы песен "Yesterday" и "Eleanor Rigby" имели некоторый успех, добравшись до Тор 30 США.

На начало 60-х приходится и кульминация его взаимоотношений с распорядителями церемонии Grammy: семь раз за четыре года он становится лауреатом премии. Сингл "Georgia оn My Mind" был награжден за лучший поп-вокал и как лучший поп-рок-трек, награды удостоились и вокальные данные Чарльза на альбоме "Genius оf Ray Charles". А в номинации "лучшая R&B-запись" исполнитель побеждал четыре года подряд с песнями "Let the Good Times Roll", "Hit the Road Jack", "I Can't Stop Loving You" и "Busted".

Стремительное развитие событий несколько замедлилось в 1965 году, когда музыканта арестовали за хранение героина. Это могло произойти гораздо раньше и в любой момент, потому что его героиновый стаж насчитывал без малого 20 лет. Почти год он провел в тюрьме, но вернулся в хорошей на удивление форме и сразу взялся за дело. Во второй половине 60-х музыканта меньше занимали рок и соул, приоритет получили поп-мелодии и джазовая стилистика. Он особенно полюбил струнные аранжировки, перекидывая мостик к лаунжу. Альбомов, равно сочетавших коммерческий и творческий успех, было немного. Среди лучших - диск 1966 года "Crying Time" (Тор 20 США) и финалист первой пятерки джазовых записей "A Portrait оf Ray". Рок-музыканты, как повелось уже давно, внимательно следили за творческими перипетиями Рэя Чарльза и охотно пользовались его находками. Джо Кокер (Joe Cocker) и Стив Уинвуд (Steve Winwood), например, никогда не скрывали, какое мощное влияние оказал артист на формирование их вкусов, стиля игры. Фирменная фразировка музыканта нашла своего продолжателя и модернизатора в лице другого харизматичного персонажа - Вана Моррисона (Van Morrison).

За первые двадцать лет своей профессиональной карьеры Рэй Чарльз достиг таких вершин, которые словно бы застраховали его от любых превратностей судьбы. Критиковать его как-то даже неприлично. Чарльз - легендарное олицетворение американской музыки, да и американской мечты, если уж на то пошло. Его артистизм с годами нисколько не поблек, характерный трогательный вокал сохранил все свои обертоны. Но факт остается фактом: как композитору за последние тридцать лет похвастаться ему было практически нечем. Миллионы его поклонников с восторгом отреагировали бы на его возвращение к соулу образца середины 50-х - 60-х годов. Но почему-то Чарльз больше уже не испытывал к соул-музыке той страсти, которая вдохновила его на создание лучших песен. Победило увлечение джазом, кантри и, конечно, поп-стандартами. Он продолжал записываться почти так же активно, но не вызывал уже былого интереса у пулики. Трек "Living for the City", победитель Grammy 1975 года за лучший мужской вокал в жанре ритм-н-блюза, был сделан как всегда очень качественно, но публику не покорил.

Достаточно успешно певец освоил стилистику кантри, его лонг-плей 1985 года "Friendship" даже лидировал в кантри-чарте. Напоминанием о настоящем масштабе таланта Рэя Чарльза стало участие в альбоме "We Are The World" (1985) в рамках программы "США для Африки". Такие же периодические удачи сопутствовали ему в его джазовых экскурсах, где больше других повезло альбому "Ray Charles" (1988). Музыкант неплохо справился и с дебютом в кино, сыграв небольшую роль в знаменитом фильме "The Blues Brothers". Наконец, его заслуги перед искусством были отмечены введением его имени в Зал славы рок-н-ролла.

В разных уголках мира у Рэя Чарльза находились преданные поклонники, которые заполняли тысячные залы, а в живых шоу он представал во всеоружии. Даже в свои 60 лет он оставался удивительным вокалистом. Чего не могли не признать и организаторы церемонии Grammy, которые в 1990 году наградили музыканта за лучший дуэт (трек "I'll Be Good to You"), а в 1993-м - за лучший мужской вокал в жанре R&B (трек "Song for You", кавер песни Леона Рассела (Leon Russel)). Выполненная в неподражаемой манере Чарльза, песня "Song for You" была представлена на лонг-плее 1993 года "My World", одном из немногих релизов 90-х, записанных с настоящим вдохновением и азартом.

С наступлением эпохи компакт-дисков собрание сочинений Рэя Чарльза систематически проходило ремастеринг и переиздавалось в разных тематических и хронологических подборках, появлялись компиляции концертных записей, редкие и неизданные материалы - десятки дисков и бокс-сетов. В середине 90-х музыкант напомнил о себе американцам и другим способом, одним из самых действенных: записал вокал для нескольких рекламных роликов диетического "Пепси". Дискография его в эти годы редко пополнялась новыми релизами. В 1998 Рэй Чарльз выпустил неплохую блюзовую запись "Dedicated to You", а в 2000-м вернулся к джазу и подготовил интересный трибьют Стиву Тарру (Stive Turre) "In the Spur of the Moment".

В мае 2002 года Римский Колизей принял своих первых слушателей - после 2000-летнего перерыва (да-да!). Хозяином шоу, проходившего в защиту мира во всем мире, стал не кто иной, как Рэй Чарльз. Он исполнил свой классический хит "Georgia оn My Mind". В мае 2003 года Чарльз отыграл в Лос-Анджелесе свой 10-тысячный концерт. То есть на протяжении 50 последних лет своей жизни он выходил на сцену в среднем 200 раз в год. Так продолжалось бы и дальше, но подкачало здоровье. После операции на бедре музыкант много месяцев восстанавливал форму. Ему пришлось отменить ряд выступлений, но совсем отказаться от работы было выше его сил. Поэтому музыкант продолжал готовить новый альбом, на этот раз подборку дуэтов с Элтоном Джоном (Elton John), Норой Джонс (Norah Jones), Джонни Мэтисом (Johnny Mathis) и другими вокалистами. Это последний альбом, изданный после смерти Рэя в 2004, просто пришел и взял почти все Грэмми 2005 года в соответствующих категориях.

"Отец соула", прошедший поучительную школу жизни, Рэй Чарльз испытывает искренние отеческие чувства к людям, в чем-то обделенным судьбой. В 1987 году он выделил миллион долларов для создания фонда помощи глухим и открыл специальную клинику для больных с нарушением слуха. Он не просто участвовал в борьбе за гражданские права, но и активно финансировал деятельность Мартина Лютера Кинга младшего. А в 2003 году спонсировал миллион долларов Университету Нью-Орлеана для разработку специального учебного курса, посвященного культуре, музыке, лингвистике и кулинарии черных американцев, их вкладу в жизнь современной Америки. Будет только логично, если одним из главных героев этого курса станет сам Рэй Чарльз Робинсон.

Дискография Рэя Чарльза:

* 1956 The Great Ray Charles {Atlantic}
* 1956 The Genius After Hours {Rhino}
* 1957 Ray Charles {Atlantic}
* 1958 Ray Charles at Newport {Atlantic}
* 1958 Yes, Indeed!! {Atlantic}
* 1958 Soul Brothers {Atlantic}
* 1959 What'd I Say {Atlantic}
* 1959 Ray Charles {Xtra}
* 1959 The Fabulous Ray Charles {Hollywood}
* 1959 Ray Charles {Hollywood}
* 1959 The Genius of Ray Charles {Atlantic}
* 1960 Ray Charles in Person {Atlantic}
* 1960 Genius + Soul = Jazz {DCC}
* 1960 Basin Street Blues {ABC}
* 1960 Ray Charles Sextet {Atlantic}
* 1961 Dedicated to You {ABC/Paramount}
* 1961 Ray Charles & Betty Carter {ABC/Paramount}
* 1961 The Genius Sings the Blues {Atlantic}
* 1961 The Do the Twist with Ray Charles! {Atlantic}
* 1961 Modern Sounds in Country & Western Music {Rhino}
* 1961 Soul Meeting {Atlantic}
* 1962 Hit the Road Jack {HMV }
* 1962 The Original Ray Charles London
* 1962 Modern Sounds in Country & Western, Vol. 2 {Rhino}
* 1963 Ingredients in a Recipe for Soul {ABC}
* 1963 I Can't Stop Loving You {HMV}
* 1964 Sweet & Sour Tears {Rhino}
* 1964 Have a Smile with Me {ABC/Paramount}
* 1964 Ballad of Ray Charles {HMV }
* 1965 Live in Concert {ABC}
* 1965 Country & Western Meets Rhythm & Blues {ABC/Paramount}
* 1965 Ballad Style of Ray Charles {HMV }
* 1965 Swinging Style {HMV }
* 1965 Baby Its Cold Outside {HMV }
* 1965 Take These Chains {HMV }
* 1965 Ray Charles Sings {HMV }
* 1965 Cincinnati Kid {MGM}
* 1966 Crying Time {ABC/Paramount}
* 1966 Ray's Moods {ABC/Paramount}
* 1966 Busted {HMV }
* 1967 A Man & His Soul {ABC/Paramount}
* 1967 Ray Charles Invites You to Listen {ABC}
* 1968 Memories of a Middle Aged Man {Atlantic}
* 1969 I'm All Yours-Baby! {ABC/Tangerine}
* 1969 Doing His Thing {ABC/Tangerine}
* 196? Le Grand {Atlantic}
* 1970 My Kind of Jazz {Tangerine}
* 1970 Love Country Style {ABC/Tangerine}
* 1970 Ray Charles {Everest}
* 1971 Volcanic Action of My Soul {ABC/Tangerine}
* 1972 A Message from the People {ABC/Tangerine}
* 1972 Through the Eyes of Love {ABC/Tangerine}
* 1972 Presents the Raelettes {Tangerine}
* 1972 The Original Ray Charles Boulevard
* 1973 Ray Charles Live {Atlantic}
* 1973 Jazz Number II {Tangerine}
* 1973 Genius in Concert L.A. {Bluesway}
* 1974 Come Live with Me {Crossover}
* 1975 Renaissance {Crossover}
* 1975 My Kind of Jazz, Vol. 3 {Crossover}
* 1975 World of Ray Charles, Vol. 2 {Decca}
* 1975 Live in Japan {Crossover}
* 1975 Ray Charles {Up Front}
* 1976 Porgy & Bess {RCA Victor}
* 1977 True to Life {Atlantic}
* 1978 Love & Peace {Atco}
* 1978 Blues {Ember}
* 1978 The Fabulous Ray Charles {Musidisc}
* 1979 Ain't It So {Atlantic}
* 1979 King of the Blues {Ampro}
* 197? Incomparable {Strand}
* 1980 Brother Ray Is at It Again {Atlantic}
* 1980 I Can't Stop Loving You {Pickwick}
* 1982 A Life in Music {Atlantic}
* 1982 I Give You My Love {IMS}
* 1983 Wish You Were Here Tonight {Columbia}
* 1984 Do I Ever Cross Your Mind? {Columbia}
* 1984 Friendship {Columbia}
* 1984 Jammin' the Blues {Astan}
* 1984 C C Rider {Premier}
* 1984 Ray Charles Blues {Astan}
* 1985 The Spirit of Christmas {Rhino}
* 1986 From the Pages of My Mind {Columbia}
* 1987 The Right Time {Atlantic}
* 1988 Just Between Us {Columbia}
* 1988 I Can't Stop Loving You {Colorado}
* 1988 The Love Songs {Deja Vu}
* 1989 18 Golden Hits {SPA}
* 1989 Blues Is My Middle Name Object
* 1990 Would You Believe? {Warner}
* 1993 My World {Warner}
* 1995 It's a Blues {Thing Monad}
* 1996 Strong Love Affair {Warner}
* 1996 Berlin, 1962 {Pablo}
* 1996 Berlin 1962 {Fantasy}
* 1998 In Concert {Rhino}
* 1998 Dedicated to You {Rhino}
* 2000 Sittin' on Top of the World {Pilz}
* 2000 Les Incontournables
* 2004 Genius Loves Company

_

Mariah Carey
Краткая биография Золушки:
Рождественская коллекция

Биография Стиви Уандера (Stevie Wonder)

Настоящее имя: Стивлэнд Джадкинс (Steveland Judkins) или Стивлэнд Моррисом.
Родился: 13 мая в 1950 г. в городе Сагинау, штат Мичиган.
Мать: Лула Хардэуэй.
Инструменты: мультиинструменталист.














--------------------------------------------------------------------------------

Доказано, что через зрительный аппарат человек получает до 90 процентов всей информации о внешнем мире. Но это вовсе не значит, что лишенные столь мощного информационного канала не могут быть такими же развитыми, как их зрячие братья и сестры. Ведь не все человек приобретает за время жизни. Кое-что ему дарит природа вместе с первым криком и лучом солнца, озаряющим родильную палату, и это не отнять пугающей темноте и черным очкам. Но лишь немногим удается не замкнуться на своем физическом недуге, очистить болезненное воображение, которое давно уже стало внутренним миром, от абстракций и кошмарных картин, отыскать иной источник удовлетворения жажды жизни и развить свои таланты до высочайшего уровня мастерства, неподвластного заурядному человеку.

Стиви Уандер, один из немногих исполнителей, который может вызвать улыбку на лице даже против вашего желания, вот уже 36 лет. Не зная уныния, он несет свою карму гениального музыканта. Видно так и должно было случиться однажды, когда в инкубационную камеру к младенцу, который родился на месяц раньше положенного срока, подали чрезмерную дозу кислорода, и он ослеп, так толком и не рассмотрев этот мир. Его безутешная мать Лула Хардэуэй безуспешно пыталась исправить роковую ошибку медперсонала, обращалась к профессорам, знахарям и шарлатанам, пока Стиви не вырос и не убедил ее в том, что "он счастлив, будучи слепым". Он назвал это божьим даром и попросил маму успокоиться и не искать своей вины в случившемся.

Стивлэнд Джадкинс.

Стивлэнду Джадкинсу (Steveland Judkins, р. 13.05.1950 г. в Сагинау, штат Мичиган) едва исполнилось 3 года, когда Хардэуэи в поисках лучшей доли переехали жить в индустриальную столицу Америки город Детройт. Вскоре он стал Стивлэндом Моррисом, и так же внезапно у него оказалось целых пять сводных братьев и сестер. Объяснение тому одно: как однажды выразился Стиви, "его любимой мамочке повезло быть замужем больше чем за одним мужчиной". Жизнь складывалась по-разному. В худшие времена они всей семьей рыскали по речным докам, чтобы стащить немного угля для растопки домашней печки. Когда удавалось что-то скопить, детям покупали новую одежду (естественно, на несколько размеров больше). Однажды, когда Стиви справлял свой девятый день рождения, родители подарили ему губную гармошку. Прибавим к этому съехавшего соседа, который оставил мальчугану целое пианино, о котором он мечтал с 7 лет, и ударную установку, что приобрела для бедного слепого мальчика ассоциация местных предпринимателей их района. И вот он - вундеркинд-мультиинструменталист, которому не было 10 лет. Он практически в совершенстве овладел этими инструментами, слушая Рэя Чарльза и Сэма Кука по своему транзистору, пел на улицах и в церковном хоре,

Им заинтересовались солидные люди из мира шоу-бизнеса. Джерольд Уайт, брат знаменитого Ронни Уайта из группы Смоки Робинсона THE MIRACLES, сходил в воскресенье помолиться. Он был поражен голосом темнокожего паренька в темных очках лет десяти. Стиви получил аудиенцию в доме этого ничем не примечательного для него дядьки. Вундеркинд понравился его другу Брайану Холланду из мотауновской группы HOLLAND-DOZIER-HOLLAND, который нанял юное дарование для работы в своей студии. Слухи о маленьком незрячем гении дошли и до легендарного Бэрри Горди.

Бывший боксер и поэт-песенник Горди основал лейбл Tamla Motown Records, будущее пристанище для Марвина Гейя, Смоки Робинсона и THE MIRACLES, THE FOUR TOPS, Дайены Росс и THE SUPREMES и HOLLAND-DOZIER-HOLLAND, в 1959 году, а в 1988 году за 61 миллион долларов США он переуступил свое детище МСА. Бэрри обладал потрясающим чутьем на таланты, чувствовал музыкальный рынок и стабильно отслеживал его запросы. Услышав голос Стиви и его игру, Бэрри был лаконичен: "Этот парень - настоящее чудо". Так Стивлэнд Моррис стал Little Stevie Wonder и в 10 лет заключил с Motown стандартный для несовершеннолетних музыкантов контракт, по которому все его гонорары будут помещаться на накопительные счета в банке до момента, пока ему не исполниться 21 год (совершеннолетие в США).

Little Stevie Wonder.

Один росчерк пера - и ты в другом мире. Прощай, отчий дом и полуголодное детство! Месяц в Мичиганской школе для слепых - и ты в дороге в одной компании с именитыми музыкантами. Четыре месяца турне с Марвином Гейем, THE SUPREMES и THE MARVELETTES, 94 концерта и всего три дня выходных за все это время. Тут взрослые часто опускали руки, а маленький Стиви всегда смотрелся бодро и успевал даже сочинять песни в гастрольном автобусе, когда его старшие коллеги мирно посапывали. В общем, вундеркинд быстро адаптировался в большой и дружной семье и вскоре даже принял привычный для всех облик, надев строгий костюм с галстуком. Его попечителем сделали автора и продюсера Кларенса Пола, который в известной манере муштровал его и курировал все его ранние альбомы.

Интересно, что Стиви с очень раннего возраста тянуло в женские компании. Услышав приятный женский голос, он буквально расцветал в улыбке, гримасничал и пытался шутить. В основном все его шутки сводились к типичным розыгрышам слепых, которые предварительно детально расспрашивают своих знакомых об обстановке данной комнаты или цвете вещей, надетых конкретным человеком. Потом они заводят этого человека в данную комнату и глубокомысленно высказываются насчет целесообразных перестановок мебели и добавляют, что эта сексуально расстегнутая малиновая блузка очень гармонирует с темными волосами обворожительной собеседницы. Уандер очень долго не мог ступить и шагу без опекунства Пола. Это напоминало парню средневековые традиции сопровождения пожилыми дамами молодых девушек на бал. Но больнее всего было, когда Кларенс уводил у Стиви его подружек, которых он с таким трудом привораживал. Дело обычно происходило вечером, и Пол в приказном порядке отсылал парня спать, а сам предлагал девушке развлечься в его компании.

Став постарше, Стиви начал было покурить марихуану, но, быстро теряя контроль над своим сознанием, переключился на более чувственные удовольствия, которые пропагандировались рок-н-роллом. Сексом он мог заниматься весь день и всю ночь. И так всю неделю напролет. Где-то к 19-20 годам у него уже было с десяток подружек. Когда он действительно испытывал сильное влечение к партнерше, рождались такие романтичные вещи, как "Angie Girl" или "My Cherie Amour" (первоначально песня именовалась "Oh My Marsha"). А вообще ему нравились страстные негритянки с интеллигентными манерами.

Правда, с возрастом он становился серьезнее. Встреча с Мартином Лютером Кингом перевернула все его восприятие белого и черного мира. Он стал интересоваться политикой, но Motown уготовил ему иную роль, нежели музыкального борца за права чернокожего населения. Не секрет, что Горди был обыкновенным расчетливым бизнесменом и в первую очередь видел в произведениях Уандера отличный товар. Коммерчески выгодным предприятием считал Стиви и его второй музыкальный директор, сменивший Кларенса Пола, Джин Кис. У Стиви были другие планы, и он об этом сразу же открыто заявил: "Когда мне исполнится 21 год, я собираюсь взять под контроль свою карьеру. Мне кажется, вы меня неважно знаете и плохо представляете, откуда я пришел".

Stevie Wonder.

История умалчивает, восприняли ли всерьез тогда боссы заявление молодого музыканта, который избавился от прозвища "Little" еще в 1964 году. Стиви, как и обещал, на следующее утро после грандиозной вечеринки в честь совершеннолетия, устроенной Бэрри Горди в его детройтской резиденции, на столе у главы и основателя Motown лежало письмо от адвоката, который от имени своего клиента сообщал Горди, что все контракты с Motown и его продюсерскими отростками он расторгает. Горди в шоке. Уандер, кстати, тоже. Адвокат явно поспешил и был немедленно уволен, но его слова остались в силе. Стиви получил по старому контракту причитающийся ему миллион долларов, в то время как лейбл заработал на нем за прошедшие восемь лет никак не меньше 30 миллионов.

Посмотрим, что пошло с молотка за 1 миллион зеленых хрустящих бумажек. Сингловый дебют Маленького Стиви Уандера состоялся в августе 1962 года работой "I Call It Pretty Music But The Old People Call It The Blues" с тем же Марвином Гейем на ударных. Неплохо для начала, но сингл провалился в чартах. Далее, Стиви записывает альбом очень сырых каверов Рэйя Чарльза. Он записал его для себя. Горди верит в звезду Уандера и поручает Полу использовать инструментальный потенциал мальчика. На свет появляется полуджазовый альбом "Jazz Soul Of Little Stevie Wonder", где Стиви отведена роль биг-бэнда с фортепьянными и органными партиями, ударными и гармоникой. Не за горами продолжение запоминающихся флейтовых кульбитов в "Fingertips 2", а это уже живой звук двойного "Recorded Live - The Twelve-Year Old Genius" и юмористические экспромты между концертными песнями. Альбом впервые в истории Motown возглавляет US R & B Hot 100, и уже за это Горди безмерно благодарен Стиви.

Затем следуют тщетные попытки повторить успех "Fingertips 2", но все, чего удается добиться, - это довольно средний интерес к синглу "When You Wish Upon A Star" c монументальной оркестровой поддержкой и ставшие уже традиционными соло Уандера на губной гармошке. И вот когда народ уже окончательно пресытился его звучанием, на свет появился танцевальный сингл "Uptight (Everything Alright)", который Стиви написал в соавторстве с Генри Косби и Силвией Мой, и практически одноименный альбом, где выделялись "Ain't That Asking For Trouble" и дилановская "Blowin' In The Wind". Альбом зачал прекрасную хитовую серию, продлившуюся без малого шесть лет (с перерывами на Рождество). Несмотря на то, что в 1966-1970 годах его репертуар все еще составлялся и одобрялся наверху и представлял собой во многом стандартизированный поп-соул. Уандер получил статус птицы высокого полета и с 1967 года стал соавтором практически всех своих синглов.

Первым хитовым альбомом "I Was Made To Love Her" Стиви ставит планку своей карьеры на новую высоту и берет ее с большим запасом годом позже, когда решается продюсировать собственные песни в альбоме "For Once In My Life". Здесь же он дебютирует как кларнетист, а Motown наконец-то понимает, что Уандер лучше исполняет свое, чем чужое. Это же примечают другие артисты лейбла, и Стиви участвует в сотворении двух классических хитов Smokie Robinson & THE MIRACLES "Tears Of A Clown" и THE SPINNERS "It's A Shame". Несколько авантюрной ему кажется идея записи инструментального альбома под его гармонику, поэтому он записывает его под псевдонимом Eivets Rednow, и получается какой-то джаз-блюз с примечательной композицией "How Can You Believe", одной из первых полностью написанных им самим.

Интересно, что причиной выпустить целый альбом "My Cherie Amour" стал успех одноименной песни, которая в 1966 году была забракована знаменитым мотауновским ОТК, а в 1969 году, будучи на обратной стороне сингла "I Don't Know Why", с легкостью превзошла по популярности заглавную песню. А за "Signed, Sealed And Delivered", на котором он продюсировал пять композиций и написал семь, как за лучший соул-альбом года, Уандер был удостоен своей первой награды "Грэмми". Хитов здесь было хоть отбавляй: "Sugar" - это классика Motown, "Signed, Sealed, Delivered I'm Yours" - первый опыт совместной работы с будущей женой Сайритой Райт, протестантский китч "Heaven Help Us All" и маниакальная переделка THE BEATLES "We Can Work It Out". Работа на первый взгляд кажется коммерческой, но все-таки парень стал гораздо самостоятельней, и сейчас мы проследим развязку этого поступательного движения к творческой свободе.

В 1971 году в добавление к его совершеннолетию и первой более или менее достойной зарплате истекает срок действия основного контракта Уандера с Motown. Все ждут от него продления, казалось бы, взаимовыгодных отношений, но чудо-Стиви, не найдя поддержки своим свободолюбивым порывам, забирает кровно заработанный миллион и открывает две собственные продюсерские и паблишинговые компании Taurus Production (Стиви явно доверяет астрологии!) и Black Bull Publishing. Он договорился с паблишинговой компанией Бэрри Горди Jobete (кстати, которой он и поныне заведует) о равном разделении издательских прав на все его предыдущие музыкальные творения.

Полежи, гармошка! Посинтезируем немножко!

Теперь его мысли устремлены в будущее соул-музыки, и он ищет техническое воплощение тех не вполне ясных идей, которые крутятся в его голове. В их реальном воплощении Уандеру помогают двое из Нью-Йорка - Малколм Сесил и Роберт Маргулефф из группы TONTO'S EXPANDING HEAD BAND, только что выпустившей полуреволюционный лонгплэй "Zero Time", и ранние модели простейших синтезаторов (те, что были до "Moog"). Так как Стиви имел дело со множеством музыкальных инструментов, ему очень понравилась идея соединить их всех в одном. Но он не верил, что такое возможно, и попросил продемонстрировать ему действие их "Муга". После последнего аккорда Уандер назвал этот инструмент чудом техники и горько признал, что ему никогда не справиться с таким огромным количеством клавиш и переключателей одновременно.

Но любопытство взяло верх, и с помощью нью-йоркцев Стиви вновь оказался одним из первых там, где практически не касались руки черного человека. Он не пожалел четверть своего миллиона, чтобы купить студийное время в "Electric Ladyland", работал как муравей, спал по четыре часа в сутки, и через год в их каталоге было 35 полностью законченных вещи и еще 200 начатых (в различной стадии работы)!

Опуская подробности содержимого переходного альбома "Where I'm Coming From", ассимилировавшего все его прошлые стилистические влияния (от BEATLES до ритм-энд-блюза), план записи которого летал в мыслях Уандера еще до того, как он съездил в Нью-Йорк. Хочется отметить, что четыре последовавших за ним работы ознаменовали едва ли не самый плодотворный и апофеозный момент в его карьере, когда Стиви Уандер "узаконил" применение синтезаторов в черной музыке и, что самое главное, очеловечил синтетические звуки, заставив их выражать эмоции не хуже гитары или саксофона.

Стиви впервые по-настоящему не боялся блуждать по стилям в поисках звучания нового десятилетия, хотя и очевидно, что в "Music Of My Mind" синтезатор для него еще является новомодной игрушкой, но он все-таки сохранил свою знаменитую спонтанность. Другое дело в "Talking Book" и "Innervisions", где все полифонично и полиритмично (от рэгги до классики) и доработано до совершенства. Плюс подкреплено первоклассными хитами ("You Are The Sunshine Of My Life", "Superstition", "You And I", "Blame It On The Sun", "Higher Ground", "Jesus Children Of America", "Golden Lady", "All In Love Is Fair"). А также в нем было много новых трезвых политических и духовных проблем и смелых воззрений ("Big Brother", "Living For The City", "You Haven't Done Nothin'"). В 1972 году Уандер открывает концерты находящихся в зените славы "роллингов", и это здорово помогает ему на пути к белой аудитории и европейскому признанию, в отличие от тех нелепых попыток Motown просунуть его в популярные среди белых телесериалы в середине 60-х.

В его следующем альбоме "Fulfillingness' First Finale" также все выверено и сфокусировано на деталях. Не будем забывать, что во время его записи Уандер попал в страшнейшую автомобильную аварию, после которой четыре дня его не могли вывести из комы, а на голове после операции остались множественные шрамы. Об этом балансировании на грани жизни и смерти в альбоме есть специальная композиция "It Ain't No Use". Не зря же Стиви отхватил аж по четыре "Грэмми" за этот диск и за "Innervisions"!..

Нужно сказать, что все эти годы без Motown Уандер вел тайные переговоры со многими мэйджор-лейблами Америки, и в 1976 году его старый друг Горди не стал больше испытывать судьбу и ждать, пока у него из-под носа уведут, как им искренне казалось, ими же взращенного гения. Стиви заключил беспрецедентный по тем временам 7-летний контракт на сумму 13 миллионов долларов. Это сообщение потрясло Америку, но Горди сразу же заявил, что работа со Стиви безусловно стоит этих огромных по тем временам денег. Примечательно, что и дальше Уандер имел какую-то необыкновенную власть над Бэрри, причем Горди даже советовался со своим протеже, когда дважды в начале 80-х пытался продать по частям свою компанию. В обоих случаях Стиви был категорически против, и эту его позицию очень точно характеризуют слова, которыми он наградил Motown и которыми объяснил причину своего возвращения туда: "Я остаюсь с Motown, потому что, на мой взгляд, это единственная выжившая, проверенная временем компания в звукозаписывающей индустрии, у которой темнокожий владелец. Это жизненно важно, что в Motown эмоционально стабильный внутренний климат, сильный дух и экономическое благосостояние...".

Итак, с 1976 года Уандер вновь работал на престиж Motown, но уже без Сесила и Маргулеффа и потихоньку превращался в музыкального пастыря ("Have A Talk With God", "Black Man" - стандартный пример бессмысленных причитаний). Двойной альбом "Songs In The Key Of Life", наряду с очень сильными композициями ("Isn't She Lovely", "Golden Lady", "Summersoft", "Knocks Me Off My Feet"), которые стали лицом целого десятилетия, содержащее веселые, жизнеутверждающие посвящения его джазовому кумиру Дьюку Эллингтону в "Sir Duke". Здесь можно было услышать песню ("Pastime Paradise"), из которой рэппер Кулио (Coolio) выстрогал "свой" знаменитый хит "Gangsta's Paradise". Этот альбом заканчивает серию из 5 золотых альбомов.

Личная жизнь.

Теперь несколько слов о личной жизни Стиви. Как я уже говорил, страшный недуг никогда не мешал Уандеру на любовном фронте. Здесь он был ненасытен, но, как ни странно, женился в очень раннем по американским стандартам возрасте. 14 сентября 1970 года Стиви взял в жены коллегу по лейблу, талантливую певицу и поэтессу Сайриту Райт (Syreeta Wright). Через полгода после свадьбы они переехали из Детройта в Нью-Йорк и поселились в роскошных апартаментах суперсовременного отеля Говарда Джонсона в Манхеттене. В результате их совместных усилий были написаны такие вещи, как "Signed Sealed Delivered (I'm Yours)", "Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)", "Blame It To The Sun" и два сольника Сайриты. Все было прекрасно, не считая двух вроде бы несущественных проблем: его ненасытного сексуального аппетита, достойного пояса верности, и ее вполне резонной суперревнивости. В общем, однажды Сайрита поймала Стиви в постели с другой у себя дома, хлопнула дверью и подала на развод. Долгое время они поддерживали дружеские отношения, а он некоторое время очень переживал, да так больше ни разу не женился, хотя и имел двух детей от своей подружки Иоланды Симмонс (Yolanda Simmons), которой, кстати, посвящена "Isn't She Lovely".

Жизнь продолжается.

Уандер, по 5 золотых дисков, почему-то залег на дно и лишь через три года закончил работу над гигантским саундтреком к документальной картине "The Secret Life Of Plants", так никогда и не появившейся на большом экране. Этот по большей части инструментальный двойник ("Journey Through The Secret Life Of Plants") представлял собой любопытную для конца 70-х попытку со стороны Уандера написать цельную поп-симфонию с мультикультурными тенденциями ("Voyage To India"). Стиви вновь экспериментировал, и это, безусловно, заслуживало уважения, но в Motown на первый план всегда ставился коммерческий успех. Поэтому второму великому слепому (после Паниковского) пришлось спешным порядком записывать в следующем году новый лонгплэй "Hotter Than July", который частично вернул ему старые позиции с бесподобными мелодиями и хуками ("Lately", "Did I Hear You Say You Love Me" и "As If You Read My Mind" с вокалом Сайриты). В это время появляется рэгги "Master Blaster (Jamming)" и трибьют Мартину Лютеру Кингу "Happy Birthday" (сопровождавшемуся общественной кампанией за придание дню рождения легендарного борца за права темнокожего населения статуса государственного праздника, что и случилось в 1986 году).

Уандер продолжал топтаться на месте и все больше затягивать релизы свежих работ. Альбом с рабочим названием "People Moving Human Play" должен был появиться в 1983 году. Вместо этого у него вышел еще один ретроспективный двойник "Original Musiquarium Vol. 1" (лучшие песни 1971-1982 годов), содержавший четыре новые песни среднего уровня, и новый саундтрек к картине "Woman In Red", еще один попсово-коммерческий проект, в джунглях которого родилась его знаменитая баллада "I Just Call To Say I Love You". Как это ни парадоксально выглядит, но эта вещь в компании с "Part-Time Lover" из следующего альбома "In Square Circle" признаются нашими современниками, как лучшие и самые примечательные композиции из богатой песенной коллекции Уандера. Действительно, "I Just Call To Say I Love You" шесть недель лидировала в английском хит-параде и до сих пор входит в десятку самых продажных синглов Британии. А "Part-Time Lover" - пожалуй, самый известный танцевальный хит маэстро и тоже имеет в своем активе феноменальное достижение - в 1985 году он одновременно возглавлял хит-парад "Биллборда" по четырем разделам (поп, ритм-энд-блюз, современная взрослая и танцевальная музыка)!

Альбом "In Square Circle" абсолютно не оправдывал пяти лет ожидания. Не помог и авторский союз с талантливой Дионн Уоруик. Казалось, Уандер позабыл секрет своего волшебства и беспомощно копировал себя, делая упор на уже порядком приевшееся синтезаторное звучание. В 1987 году с диском "Characters" он, как один из лучших ударников планеты и ученик легендарного мотауновского чудо-барабанщика Бенни Бенджамина, зачем-то увлекся драм-машиной. Хотя и без этого Стиви был в неплохой форме и мог снабдить народ новым зарядом своего классического фанка и балладного романтизма ("With Each Beat Of My Heart", "Free" и "Skeletons"). Но слушать, а главное понимать и принимать Уандера становилось все сложнее. Поэтому не он уже писал законы в музыкальной конституции 80-х, а тот же живчик Майкл Джексон, с которым Стиви записал "Get It" и "Just Good Friends". Впрочем, Уандер и сам это чувствовал и стал больше уделять времени благотворительным проектам (USA FOR AFRICA), кампании против распространения СПИД (чем вообще никто среди черных не занимался в то время) и писать и продюсировать для других (Пол МакКартни "Ebony And Ivory", Элтон Джон, EURYTHMICS, Гэри Берд).

На закате тысячелетия.

Неудивительно, что на запись нового альбома он потратил аж восемь лет и как всегда на половине пути отметился саундтреком ("Jungle Fever"). Видно и слышно, что Стиви было время подумать и додумать. Вновь появляется тяга к разностильности (соул-поп "Make Sure You're Sure", техно-поп Chemical Love" и даже хип-хоп "Each Others Throat"), чувствуется энтузиазм и поиск нового звучания. А на бэк-вокале вновь Сайрита.

А дальше "гуд-бай, Америка!" и добро пожаловать в Гану, африканскую страну, куда Уандер давно хотел эмигрировать, но пока не решился. Атмосфера умиротворения и близости к природе всегда питали его вдохновение, так что, когда он на полтора месяца слетал туда в 1993 году, эффект был ошеломляющим - поправленное чистым воздухом здоровье и 40 новых песен, которые оказались в памяти его компьютера по приезде в Детройт. Альбом "Conversation Peace" получился эдаким монолитным строением в стиле социоромантики, где все принадлежит перу Уандера (а за его спиной массивная музыкальная поддержка), бэк-вокалистки (включая его дочь Аишу), притом, что на большинстве инструментов все-таки играет он сам. Он шутит с мелодиями, пытается не потерять романтичности в 45 лет ("For Your Love", "Edge Of Eternity"), но его главные слова носят социальный подтекст ("Rain Your Love Down", "My Love Is With You"), хотя его трудно обвинить в пессимизме.

Стиви явно вновь нашел себя в мире музыки, снова стал расти, и этот рост ярко продемонстрировал концертный двойник "Natural Wonder". Для него он переписал около тридцати своих лучших песен часто в сопровождении симфонического оркестра, дополнив список совсем свежими композициями ("Kiss Lonely Goodbye", римейк песни Боба Марли "Redemption Song", "Stay Gold") из саундтреков с его участием. Потом были ничем не примечательный альбом лучших вещей "Song Review" без единой новой песни. Он участвовал в благотворительном проекте Лучано Паваротти "Pavarotti & Friends", в сейшенах с тинейджерской поп-соул-группой 98 DEGREES (композиция "True To Your Heart" вошла в саундтрек к диснеевскому полнометражному мультфильму "Mulan") и в конце бокс-сет на четырех дисках, охватывающий всю замечательную карьеру Уандера.

Мы вновь вынуждены томиться в ожидании новой работы слишком долго. Что это будет и когда она появится в продаже, тоже загадка. Не думаю, что это будет что-то традиционное для Уандера. В последние годы он много раз заявлял, что назад дороги нет и что его должны оценить новые поколения. На протяжении своей долгой карьеры он неизменно оставлял после себя музыкальные произведения, которые характеризовали эпоху. В 60-х это была "Uptight", в 70-х - "Superstition", в 80-х "I Just Call To Say I Love You", в 90-х годах - не знаю еще, скорее всего "Kiss Lonely Goodbye". Быть может, в новом веке и тысячелетии он больше не будет соул-мистером Стиви Уандером, которого все мы хорошо знаем. Он как-то признался, что не прочь написать мюзикл, записать джазовый и госпельный альбом.

Дискография Стиви Уандера:

1962 "A Tribute To Uncle Ray"
1963 "Jazz Soul Of Little Stevie Wonder"
1963 "Recorded Live - The Twelve-Year Old Genius"
1963 "With A Song In My Heart"
1964 "Stevie At The Beach"
1966 "Uptight" 1966 "Down To Earth"
1967 "I Was Made To Love Her" 1967 "Someday At Christmas"
1968 "Greatest Hits"
1968 "For Once In My Life"
1968 "Eivets Rednow Featuring Alfie" (под псевдонимом Eivets Rednow)
1969 "My Cherie Amour"
1970 "Live In Person"
1970 "Stevie Wonder Live"
1970 "Signed, Sealed And Delivered"
1971 "Where I'm Coming From"
1971 "Greatest Hits Vol. 2"
1972 "Music Of My Mind"
1972 "Talking Book" 1973 "Innervisions"
1974 "Fulfillingness' First Finale"
1976 "Songs In The Key Of Life"
1977 "Looking Back" (известный также как Anthology)
1979 "Journey Through The Secret Life Of Plants" (саундтрек)
1980 "Hotter Than July"
1982 "Original Musiquarium Vol. 1"
1984 "The Woman In Red" (саундтрек)
1985 "In Square Circle" 1985 "Love Songs - 20 Classic Hits"
1987 "Characters"
1991 "Jungle Fever" (саундтрек)
1994 "Motown Legends: I Was Made To Love Her - Uptight"
1995 "Conversation Peace"
1995 "Natural Wonder"
1996 "Song Review"
1998 "Songs In The Key Of Life" (видеосборник)
1999 "Ballad Collection"
1999 "At The Close Of A Century " (4CD box-set)

Сара Маклахлан (Sarah McLachlan) - одна из тех ярких представительниц












Канады, которые в последние десять-двадцать лет сражаются за место под солнцем на мировом музыкальном Олимпе, создавая сказочный образ своей родины как теплицы по выращиванию сильных, самостоятельных, оригинальных артисток и композиторов. Только среди тех, кто добился международного признания и любви, - Аланис Мориссетт (Alanis Morissette) и Селин Дион (Celin Dion), Дайана Кролл (Diana Krall) и Шэнайя Туэйн (Shania Twain). С конца 80-х честь Канады отстаивает и Сара Маклахлан. Она как никто другой знает, насколько это тяжелый жребий. "Это великое одиночество, - говорит она, - быть женщиной в шоу-бизнесе".

Сара Маклохлан родилась 28 января 1968 года в канадском городе Галифаксе. Родители с детства поощряли занятия дочери музыкой и, кроме основной школьной программы, девочка брала уроки вокала, обучалась игре на пианино и гитаре. "В юности музыка спасла меня, - вспоминала она позднее. - Это было единственное, что мне действительно удавалось. Я была очень неуверенной в себе, у меня почти не было друзей. Музыка давала мне то, чего мне так не хватало - веру в себя".



На каком житейском поприще реализовать себя, Sarah решила не сразу. В течение года Сара осваивала профессию художника-дизайнера в Nova Scotia School of Design, а параллельно пела в рок-группе October Game. Любовь к музыке оказалась сильнее. Хотя сначала Сара Маклахлан категорически отказалась сотрудничать с лейблом Nettwerk Records, который предложил ей сольный контракт, и планировала продолжить учебу, через год она передумала. В конце 1987 года Сара отправилась в Ванкувер, где получила возможность подготовить сольный дебют.

"Когда я приехала в Ванкувер, мне было 19 лет, я думала, что пробуду там шесть месяцев, пока продлится запись. Но я влюбилась в этот город, - рассказала Маклахлан в одном из интервью. - Меня окружала природа во всем своем великолепии: прекрасные зубчатые горы, океан в двух шагах... Здесь часто идут дожди, и зимой можно впасть в депрессию. Но зато необыкновенно красиво. С тех пор я так и живу в Ванкувере".

Дебютная пластинка "Touch" появилась в 1988 году, стала золотой в Канаде и представила Сару Маклахлан как весьма перспективную артистку. Все особенности ее композиторского и исполнительского стиля были уже налицо: воздушные мелодии, мечтательный голос, эмоциональные аранжировки, которые тонко передают изящный и волнующий характер ее музыки, причем музыки очень женской.

Напоминая одновременно Питера Гэбриэла (Peter Gabriel) и Кейт Буш (Kate Bush) эпохи 80-х, она продемонстрировала удивительно широкий стилистический диапазон.
Заключив контракт с американской рекординговой компанией Arista, певица получила выход на мировой музыкальный рынок. В 1989 году "Touch" был опубликован в США и Европе и начал мало-помалу завоевывать симпатии поклонников альтернативного поп-рока.



Через два года артистка записала второй альбом "Solace", гораздо более впечатляющую коллекцию песен, которая положила начало превращению Сары Маклахлан в культовую фигуру, окруженную преданнейшими поклонниками. Пресса особенно отмечала ее искреннее исполнение, интригующие слова и светлые, легкие мелодии. Как и ее дебютный диск, "Solace" засветился в Billboard 200, а после 14-месячного концертного марафона меломаны с нетерпением ожидали продолжения. Вместо вполне заслуженной паузы в работе, в сентябре 1992 года Сара с канадской съемочной группой отправилась в Камбоджу и Таиланд, где участвовала в съемках документального фильма "World Vision" о нищете и обездоленном детстве в этих странах.

Впечатления от увиденного, мучительные и порой просто страшные, она попыталась выразить в своих новых песнях, над которыми работала в специально арендованном доме в окрестностях Монреаля. Студийные сессии под присмотром ее постоянного соавтора и продюсера Пьерра Маршанда (Pierre Marchand) продлились шесть месяцев.

В конце 1993 года был готов третий альбом "Fumbling Toward Ecstasy", самый сильный и исповедальный в ее творческой биографии. Это была большая удача артистки во всех отношениях. Уверенная как никогда раньше в своих силах, Сара становится смелее как в текстах, так и в аранжировках, экспериментирует с новыми инструментами, нащупывает новую звуковую фактуру. Диск "Fumbling Toward Ecstasy" добрался до 50 строки рейтинга Billboard 200 и пользовался настолько устойчивым спросом, что не покидал чарт 62 недели подряд, благополучно закрепив свою популярность платиновым сертификатом.

А сегодня его тираж в Америке уже превысил пять миллионов копий. Оба промо-сингла, "Possession" и "Good Enough", получили хорошую раскрутку в эфире рок-радио и отметились в Тор 20 американского рок-чарта. В 1995 году певица опубликовала лонг-плей "The Freedom Sessions", составленный из альтернативных версий тех треков, которые попали на "Fumbling Toward Ecstasy". А еще через год в Канаде появилась подборка ее неизданных записей и би-сайдов "Rarities, B-Sides and Other Stuff".

1997-й год стал самым успешным в ее десятилетней карьере. Певица подготовила самый известный и хитовый из своих альбомов "Surfacing". В строгом смысле слова, этот альбом был далеко не самой сильной работой артистки, во всяком случае, ничего принципиально нового по сравнению со своим предшественником он не показал. Но ее растущая известность приносила свои плоды. Заинтригованные промо-синглами "Sweet Surrender" и особенно "Building а Mystery" (#13 в Billboard Hot 100), меломаны с энтузиазмом встретили новый релиз Сары Маклахлан.



Достаточно сказать, что в Канаде альбом возглавил рейтинг продаж, а в США стартовал в поп-чартах сразу на второй строке. Изданный в разгар промо-тура третий сингл "Adia" стал долгожителем радиоэфира и в августе 1998 года финишировал в первой тройке американских хитов. По итогам 1997 года Сара Маклахлан удостоилась сразу двух высших музыкальных наград Grammy. Она была названа лучшей поп-вокалисткой (за песню "Building а Mystery"), а трек "Last Dance" - лучшей инструментальной поп-композицией.

Кроме сольных альбомов, Маклахлан довольно часто записывала материал для родственных по духу проектов. И делала это с блеском. Композиция "I Will Remember You" для фильма "Brothers McMullen" принесла ей еще одну премию Grammy как лучшей поп-вокалистке.

В 1998 году канадская артистка стала одним из инициаторов и организаторов тура Lilith Fair, собравшем многих видных женщин-композиторов и исполнительниц. Этот передвижной женский фестиваль с огромным успехом отыграл 40 с лишним концертов в США и Канаде. По материалам тура был подготовлен двойной альбом "Lilith Fair".

А по итогам своих собственных сольных концертов певица подготовила живой диск "Mirrorball", опубликованный в 1999 году. Для концертного альбома он получил необыкновенный отклик: Тор 3 американского поп-чарта, #2 в хит-параде Канады и 1 место в интернет-рейтинге альбомов. Впрочем, в этом не было ничего удивительного: как минимум половина из 14 представленных песен к этому времени уже стали раскрученными радиохитами.

В том же году из-под пера Сары вышло еще одно произведение, на этот раз совершенно другого жанра - книга кулинарных рецептов "Plenty" ("Изобилие"). Это был не просто сборник с описанием разных вкусностей, а своего рода инструкция по выживанию в условиях сурового гастрольного быта. Основным соавтором артистки была кулинарная мастерица Джейми Лаурита (Jaime Laurita), которая готовила для Маклахлан во время тура Lilith Fair, а в прошлом обслуживала Rolling Stones, Пласидо Доминго (Placido Domingo), Barenaked Ladies и других знаменитостей.

Разумеется, в Канаде певица давно завоевала статус суперзвезды. Могло ли быть иначе после ее триумфа на церемонии вручения Juno Awards 1998, канадского аналога Grammy, Сара Маклахлан победила сразу в четырех номинациях: "песня года" ("Building a Mystery"), "альбом года" ("Surfacing"), "певица года", "лучшая актриса" (за видео "Building a Mystery"). Огромное количество поклонников появилось у нее в последние годы в США, из крупнейших музыкальных рынков не покорилась ей разве что Великобритания. Положение круто изменилось в 2000 году, когда певица записала вместе с электронным дуэтом Delerium однозначный хит "Silence".

В 2001 году в Канаде вышел альбом "Sarah McLachlan Remixed", включавший девять ремиксов на ее песни, подготовленные Уильямом Орбитом (William Orbit), BT, Hybrid, Dusted (он же Rollo из Faithless) и DJ Tiesto.

Вынужденная пауза в студийной и концертной работе объяснилась в апреле 2002 года, когда Сара Маклахлан стала матерью. Вместе с мужем, барабанщиком Эшем Судом, они решили назвать дочку Индией (India). Спустя несколько месяцев после рождения ребенка, Сара похоронила свою мать, которая умерла от рака. Эти разнородные переживания переплавились в материале нового альбома "Afterglow", который вышел в ноябре 2003 года. Маклахлан как будто совсем не изменилась, сохранив верность своему фирменному саунду и оставаясь одной из знаковых фигур альтернативного поп-рока. Как и 15 лет назад, она пишет весь материал, записывает партии рояля, акустической и электрической гитары.

Музыка настроения, мечтательные мелодии, неброские аранжировки, тексты о глубоких человеческих переживаниях - все это выполнено в лучших традициях "Fumbling Towards Ecstasy" или "Surfacing". Постоянные поклонники певицы тепло приняли альбом "Afterglow". Он стартовал на второй строке американского поп-чарта и под номером один в канадском рейтинге продаж. Любимая песня Маклахлан "Fallen", изданная в качестве промо-сингла, отметилась во многих рейтингах США, финишировав в первой тройке танцевальных хитов.

Больше четырех лет артистка не ездила в туры, но за это время ее не только не забыли, но, наоборот, стали ждать с еще большим нетерпением. Когда в январе 2004 года были объявлены даты ее летнего турне (43 концерта в Соединенных Штатах и Канаде), ряды поклонников всколыхнулись. За полгода до начала гастролей, в первый же день продаж, разошлось 8 тысяч билетов. Соскучились за ней и коллеги по сцене. Многие исполнители, даже очень молодые и очень воинственные, называют ее в числе своих кумиров.

Если привести список - очень много. И спорить кто из них лучше, всё равно что спорить что лучше, вилка или ложка? Тут опять всплывает извечный вопрос, что такое хорошо, что такое плохо, применительно к искусству.

Довольно странно Вы написали... Тут разве идёт выяснение, кто лучше? Это на других досках смотрят у кого половой орган красивше))) Мы тут по мере наших силёнок ищем и, находим! Исполнителей с сильным голосом, иногда можно сравнить некоторые черты вокалистов, особенно внешние вокалисток, не более... А в каком месте Вы нашли сравнение? Я очень внимательно слежу за этим топиком, вроде не видел ничего похожего. В музыке не бывает лучше-хуже. Тут я согласен, но и Вы согласитесь со мной, что иногда попадаются люди не имеющие отношения к искусству, но просто мы о них не говорим. Это тоже на других досках.

Совершенно случайно наткнулся... Может кто слышал?

Одна из лучших джазовых вокалисток своего поколения, Ди Ди Бриджуотер (Dee Dee Bridgewater) вынуждена была искать признания и полной реализации своих творческих амбиций вдали от родины. Уже тридцатилетней она приехала из Америки в Париж и начала жизнь с чистого листа. Только во Франции она по-настоящему нашла себя, получила признание как джазовая певица и театральная актриса, создала свой ансамбль и вернулась в родные Соединенные Штаты уже титулованной европейской знаменитостью. Она заставила Америку не просто принять и признать себя, но и отметить свои творческие достижения высшими музыкальными наградами.

Ди Ди Бриджуотер родилась в Мемфисе 27 мая 1950 года. Ее детство прошло во Флинте, штат Мичиган. С музыкой связаны уже самые ранние воспоминания Ди Ди - ее мать обожала Эллу Фитцжеральд (Ella Fitzgerald) и постоянно слушала ее пластинки. Девочка росла под голос Эллы и звуки трубы, на которой профессионально играл ее отец. Он был не просто первоклассным трубачом, но и преподавателем, среди учеников которого значились Чарльз Ллойд (Charles Lloyd) и Джордж Коулман (George Coleman). В школе Ди Ди легко нашла применение своим музыкальным талантам - создала собственное трио, в котором пела сольные партии. А первый серьезный профессиональный опыт получила в ансамбле, в котором играл ее отец. Уже в конце 60-х Ди Ди смогла попробовать, насколько подходит ей артистическая жизнь, объездив с концертами весь Мичиган.

В университете музыка по-прежнему играла в жизни Ди Ди первостепенную роль. Она начала петь в университетском биг-бэнде и в 1969 году вместе с другими студентами отправилась на гастроли в Советский Союз. Спустя год Ди Ди познакомилась с трубачом Сесилом Бриджуотером (Cecil Bridgewater), за которого вскоре вышла замуж и переехала с ним в Нью-Йорк. В 1972 году она прошла прослушивание и стала солисткой оркестра под управлением Тэда Джонса (Thad Jones) и Мела Льюиса (Mel Lewis), одного из ведущих биг-бэндов своего времени. Этот важный этап в ее карьере продлился два года, подарив ей возможность записываться в студии вместе с Сонни Роллинзом (Sonny Rollins), Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespie), Декстером Гордоном (Dexter Gordon) и другими джазовыми величинами.

В 1974 году она взяла новую планку - прошла кастинг в бродвейский мюзикл "The Wiz", в котором пела до 1976 года. Ее колоритный голос, красота и сценическое обаяние привлекали не только рядовых слушателей, но не остались незамеченными и боссами шоу-бизнеса. За роль Глинды Бриджуотер получила свою первую театральную премию Tony. Она незабываемо исполняла композицию "If You Believe", которая, по словам Ника Эшфорда (Nick Ashford), "воплощала мечту целого поколения и дарила людям надежду".

Очевидный успех в джазовом ансамбле и на театральной сцене заставил Ди Ди Бриджуотер поверить в свои силы и попробовать себя в роли сольной артистки. В 1974 году она дебютировала на маленьком лейбле с пластинкой "Afro Blue", а через два года для компании Atlantic записала альбом "Dee Dee Bridgewater" (1976). Но ни на одном из лейблов не нашлось продюсера, который по достоинству оценил бы вокальные данные певицы и помог подобрать ей оптимальный репертуар. Находясь еще в поиске собственной манеры исполнения, на первых пластинках Бриджуотер тяготеет к поп-стилю и напоминает скорее Глорию Гейнор (Gloria Gaynor), чем свою любимую Эллу Фитцжеральд. Ее вокал отличался широким диапазоном и эмоциональной экспрессией, но альбомы в целом получились неровными и прошли незамеченными.

А между тем артистка начала получать приглашения в ведущие театры Токио, Лос-Анджелеса, Парижа и Лондона. Она еще воспользуется такой возможностью, но пока надеется реализовать свой творческий потенциал в Соединенных Штатах. Ситуация в ее певческой карьере несколько изменилась в лучшую сторону, когда артистка попала в поле зрения компании Elektra. Изданные на этом лейбле пластинки "Just Family" (1977) и "Bad for Me" (1979) привлекли поклонников джазовой музыки и отметились в Тор 30 джазового рейтинга. Однако по большому счету американские меломаны, да и вся музиндустрия США недооценили и просмотрели Ди Ди Бриджуотер. В начале 80-х в надежде добиться большего певица переезжает во Францию.

Решительно взявшись за дело, она за несколько лет объехала все европейские джазовые фестивали, создала телевизионное шоу с Шарлем Азнавуром, собрала собственный джазовый ансамбль, который сопровождал ее в турах и аккомпанировал в студии. Во Франции она смогла реализовать одну из самых смелых своих идей - вместе со Стивеном Сталом (Stephen Stahl) подготовила музыкальный спектакль о судьбе легендарной певицы Билли Холидэй (Billie Holiday) "Lady Day". В 1987 году она привезла свой мюзикл в Лондон. За блестящее перевоплощение в образ Билли Холидэй театральные деятели Великобритании выдвинули ее на соискание премии имени Лоренса Оливье. Ди Ди Бриджуотер блистала в главных ролях во многих популярных спектаклях: "Cosmopolitan Greetings", "Black Ballad", "Carmen Jazz", - завоевав репутацию великолепной шоувумен. Особо стоит отметить ее участие в мюзикле "Кабаре": Бриджуотер стала первой чернокожей актрисой, приглашенной на роль Салли Боулз.

После десятилетнего перерыва к началу 90-х творчество Ди Ди Бриджуотер начинает понемногу возвращаться на родину. За эти годы артистка почти не заглядывала в студию, подготовив во Франции только один концертный альбом "Live in Paris", который вышел в 1987 году и принес артистке первую награду Французской джазовой академии. В 1990 году появился еще один живой диск "In Montreux", подтвердивший ее репутацию техничного и проникновенного джазового интерпретатора. Первый с 1979 года американский релиз Бриджуотер "Keeping Tradition" издается в 1992 году и тут же попадает в число номинантов Grammy. Но настоящее возвращение певицы еще впереди.

В 1995 году в сопровождении своего французского квинтета она записала великолепный альбом памяти Хораса Силвера (Horace Silver) "Love and Peace", который американские критики без обиняков называли шедевром. С таким материалом в репертуаре Бриджуотер с триумфом вернулась в Соединенные Штаты и провела отличный концертный тур. Тем временем Французская джазовая академия удостоила ее специальной награды имени Билли Холидэй за лучший джазовый вокал.

Фигуры джазовых гигантов 20 века с детства притягивали ее творческую фантазию. В 1996 году артистка посвятила великому Дюку Эллингтону лонг-плей "Prelude to a Kiss: The Duke Ellington Album", который записала с оркестром Hollywood Bowl.

Не прошло и года, как она снова поразила американских меломанов и всю музиндустрию: Бриджуотер сама спродюсировала и записала альбом памяти великой джазовой дивы, кумира всей ее жизни Эллы Фитцжеральд "Dear Ella" (1997). Этот изящный, проникновенный альбом не только покорил первую пятерку джазового рейтинга, но и принес Бриджуотер две заслуженные премии Grammy - за лучший джазовый вокал и лучшую аранжировку вокала. Лучшим джазовым вокальным альбомом назвали диск "Dear Ella" и французы, вручив певице премию Victories de la Music.

Сегодня артистка широко известна как своими успехами в музыке и на театральной сцене, так и активной общественной деятельностью. В 1999 году ее выбрали послом Организации ООН по вопросам продовольствия и сельского хозяйства. На правах посла ООН она объездила десятки стран мира, внося свой посильный вклад в решение проблемы недоедания и голода.

Проявляя живой интерес к истории джазовой музыки и к ее полузабытым героям, в 2002 году Ди Ди Бриджуотер - первой из джазовых исполнителей - посвятила целый альбом творчеству композитора Курта Вейля (Kurt Weill). Аранжировку диска "This Is New" она доверила своему первому мужу Сесилу Бриджуотеру, в тандеме с которым представила некоторые песни в совершенно новом, неожиданном свете. Например, композиция "Bilbao Song" обогатилась колоритными гитарами фламенко и эксцентричной перкуссией.

К своему 55-летнему юбилею цветущая Ди Ди Бриджуотер записала сборник французских популярных песен "J'ai Deux Amours" (2005), для которого отобрала композиции Шарля Трене, Жака Бреля, Лео Ферре и других композиторов (многие - в английском переводе), чтобы средствами вокального джаза признаться в любви и выразить огромную благодарность ее второй родине - Франции и обожаемому Парижу.

Лита Форд - полное имя Кармелита Розанна Форд — американская гитаристка, певица и композитор.Дуэт с Ози Осборном.

Ana Carolina – более чем успешная бразильская певица. Родилась в 1974 году в Minas Gerais. Музыку впитывала с пеленок, ибо бабушка пела на радио а дядя и тётя играли на перкуссии, пианино, виолончели и скрипке. С детства слушала таких грандов бразильской музыки как Chico Buarque, João Bosco, Maria Bethânia, а так же мировых звезд Nina Simone, Björk и Alanis Morissette.

Когда она решила стать профессиональным музыкантом она переехала в Рио, где через некоторое время подписала контракт с BMG. С первым альбомом последовала номинация на Latin Grammy Awards.

Так же известна тем, что совершила coming out – публично призналась в своей би-сексуальности.

На данный момент выпустила 6 альбомов, в том числе и концертный альбом из теглайна.





Первое впечатление – это то, что её активно продвигают на американский и европейский рынки, что не могло не отразиться на качестве оранжировок. Я не хочу сказать, что музыка стала хуже или лучше, но, на мой взгляд, из творчества ушла бразильская романтика. Я не услышал ни одного бразильского инструмента типа pandeiro или cavaquinho, только пара песен – «Torpedo» и «Tá Rindo, é!», слабо напоминают босса-нову. Короче о том, что это бразильская певица напоминает только португальский язык. Вполне себе красивые, качественные европейские оранжировки. Что, в общем, не делает альбом скучным или плохим. Великолепные акордеонные французские танго-зарисовки в заглавной «10 minutos» или «Estórias». Много струнных инструментов на поддержке, что делает альбом созерцательным, что ли. Под него хочется ходить по красивому городу и смотреть вокруг ловя детали.
Нельзя обойти стороной тот факт, что на альбоме аж целых 3 песни спетых совместно. «Entre olhares (The Way You’re Looking Ate Me)» спета дуэтом с John Legend – американским R’n'B продюсером, композитором и музыкантом, который в свои 31 год может похвастаться 3мя Grammy в 2006, 2мя в 2007 и 1м в 2009 годах соответственно. Дуэт только подтверждает мою гипотезу о продвижении Аны в Северной Америке. «Resta» – вторая совместная работа на альбоме записана с джазовой певицей и композитором Chiara Civello. И третья песня – заключительная «Traição» исполнена совместно с американской джазовой певицей и басисткой Esperanza Spalding и сыном Антонио Карлоса Жобима – Даниэлем Жобимом.
В общем альбом получился не гениальный, но очень целостный, красивый и наверняка запомнится вам, как минимум, песней «Entre olhares (The Way You’re Looking Ate Me)»