Новости и события в культурной жизни.

Четверо из представленных художников впервые в Галерее. Это москвичи Максим Орлицкий и Слава Ерещук, крымчане Антон Гудзикевич и Мария Журикова. Крымских художников нисколько не волнуют крайности в умах адептов современного искусства. Средиземноморские метафизические пейзажи Гудзикевича как бы внутри картин наполнены солнцем, они написаны открытым цветом, в них яркие синие небо и вода, флора кислотного зеленого цвета. Они полны милости и наивности, чем напоминают пейзажи Дэвида Хокни, использующего кислотные цвета. Как и Хокни, Антон в сюжетах своих работ пишет сцены у бассейна, а также любуется красотой обнажённого тела у воды, в отличие от англичанина, юного женского. Ассоциация с творчеством Хокни не умаляет, а лишь подчеркивает смелость и яркость индивидуальности Антона Гудзикевича.

Мария Журикова оперирует телесностью, используя экспрессивную манеру письма. Она манипулирует женским телом, изображая его, то контурным рисунком, то превращая в красочные абстрактные двуцветные слои. Женская сущность наполняет собой весь мир, а окружающее пространство вливается красками в контур тела. Совсем другие смыслы в её картине «Нефть», где юная, безбашенная, «отвязанная» девчонка в красных лабутенах уселась на ракету и хохочет. Кажется, она символизирует все поколение Z с его энергией и независимостью.

Роскошная экспрессивная живопись Орлицкого по словам самого художника отражает процессы «поиска самого себя, своего предназначения, трансформацию и перерождение, попытку самоидентификации, но часто мнимую и иллюзорню». Однако названия картин («Хамелеон», «Русалка», «Амфибия», «Теонанакатель»), их сюжеты превращения человека в другие существа позволяют интерпретировать работы как обращенные к магии, колдовству, ведичеству, к чудесным приключениям в ночь цветения папоротника. Слава Ерещук, сочетая в полотне «Цвет» пастозные красные подсолнухи и «открыточные» ирисы, заставит зрителя задуматься, а можно ли воспринимать эту картину лишь как интерьерное произведение. В картине «Террариум», написанной в стилистике барокко, Андрей Архипов, создает искусственный мир, где самка богомола поедает своего партнера. Художник пытается «рассказать о стремлении людей изолировать себя и свой внутренний мир, создать свой террариум, в котором только кажущаяся защита от окружающего мира становится капканом для самопоедания».

Кроме молодых авторов в проекте участвуют зрелые мастера – Александр Савко и Дмитрий Шорин. У Шорина есть девушка, есть и самолеты, можно полагать, что последние олицетворяют мужское начало, чем и объясняется сладострастное выражение лица девицы. Ирина Филатова.©

А.А. Мыльников состоялся и как талантливый педагог, который внес огромный вклад в развитие и усовершенствование художественного образования. С 1953 года он исполнял обязанности заведующего кафедрой живописи и композиции в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, с 1960 года – он руководитель творческой мастерской монументальной живописи Российской академии художеств.

А.А. Мыльников – крупнейшая фигура современного изобразительного искусства второй половины XIX – начала XX веков, его творчество хорошо известно в России и за рубежом. Его произведения находятся в лучших музеях страны и за границей, в частных коллекциях.

В собрании Калужского музея изобразительных искусств храниться только одно произведение А. А. Мыльникова – картон для витража “Сон”, исполненный в 1969 году. В этой работе художник воплотил извечную тему мирового искусства – красота и совершенство обнажённого человеческого тела, которая известна ещё с античных времен. В разные эпохи в нее вкладывалось разное содержание.

Эстетическое значение образа обнажённого человека на лоне природы – это тема гармонии человека и природы, как идея духовного и физического совершенства. Интерес к изображению обнажённого человека всегда был свидетельством зрелости искусства. Высокое значение этого мотива в искусстве понимал и А. А. Мыльников, он воплотил его в живописных произведениях “Сон” (1969) и “Утро” (1972). Эти работы стали этапными в его творчестве. Один из вариантов картины “Сон”, художник решил перенести в произведение монументального искусства – витраж, для исполнения которого был исполнен картон.

На холсте изображена молодая обнажённая женщина, спящая на берегу тихого голубого озера. Художнику удалось передать органическую связь человека с природой. Красота обнажённой натуры сродни красоте природы и спокойствию в пейзаже. Женская фигура отмечена мягкой пластичностью, она органично вписана в пейзаж. Обнажённая женщина в картине Мыльникова стала аллегорией прекрасного мира, в котором должен жить человек, который делает его счастливым и чистым.©

Он вошёл в историю изобразительного искусства как непревзойденный певец моря. Никто из его современников не смог с такой силой и вдохновением показать величие и красоту морской стихии. Художнику было присуще возвышенно-романтическое мировоззрение, обусловленное его любимой темой – темой моря. Недаром в народном воображении и литературе море отождествлялось с чувством силы и могущества, свободы и бесконечного пространства, порождало жажду борьбы и преданности.

Впрочем, не менее важным является то, что именно Айвазовский стоял у истоков украинского пейзажа, одним из первых обратился к живописной красоты украинской природы и сельского быта.

На нынешней выставке экспонируются более 60 произведений живописи и графики ХVIII-ХХ вв. из коллекции музея, которые объединены морской тематикой. Также предусмотрен показ фотографий картин Айвазовского, утраченных музеем во время Второй мировой войны и экспонатов музея Шереметевых, архивные материалы, фотографии, различные предметы, находящиеся на военных кораблях XIX в. и личные вещи морских офицеров – современников И. Айвазовского.

Конечно, особый интерес вызывает музейная коллекция картин Айвазовского, которая состоит из 18 произведений живописи и графики. Все они объеденены высоким уровнем исполнения и дают представление о разных периодах творческой деятельности художника. Однако, организаторы выставки с определённой целью отошли от монографического и хронологического показа. В каждом зале рядом с произведениями Айвазовского представлены работы известных или малоизвестных мастеров, которые были предшественниками, учениками и последователями великого мастера. Такой подход визуализирует стали традиции и преемственность, поиски и открытия маринистов в течение двух веков.

Среди интересных образцов раннего периода творчества Айвазовского выделяются прекрасные пейзажи «Вид на острове Капри» (1845) и «Арба в поле» (1848). В романтическом полотне «Арба в поле» художник воплощает знакомые с детства мотивы своего родного Крыма и степей близ Феодосии, с которой была связана жизнь живописца. О многогранности дарования художника свидетельствуют работы с определёнными чертами бытового жанра и непосредственно не относящиеся к теме моря: «Сцена из Каирского жизни. На террасе дома и общая панорама города» (1881), «Афинский Акрополь» (1887), «Волга у Жигулёвских гор» (1887), «Переезд через Неву» (1883). Эти полотна одновременно являются свидетельством непоколебимой любви художника к путешествиям, без которых он не представлял своей творческой жизни.

Зрелый этап искусства Айвазовского представлен известным полотном «Буря» (1872). Обозначенное впечатляющей свободой, размахом и вместе с тем значительно сдержаннее колоритом, оно свидетельствует об эволюции творчества художника.

Совершенным мастерством отличаются рисунки Айвазовского, выполненные обычно смешанной графической техникой: «Штиль» (1850), «Шторм» (1850) и др.

Новаторский стиль живописи, который во многом опередил своё время, вместе с тем, основывался на традициях пейзажа ХVIII – начала XIX вв., когда Айвазовский учился в Академии искусств пейзажной живописи и имел достаточно устойчивые традиции. Представленные на выставке работы художников ХVIII – начала XIX вв. ярко характеризуют особенности пейзажа того времени. К ним относятся, например, лунный вид с романтическим привкусом Е. Новикова «На берегу залива» (1792), акварели художника XVIII века. Ж. -Б. де ла Траверса, которые он выполнял во время путешествия в Крым.

Тема Италии – одна из самых любимых в искусстве – соединила разных мастеров живописи. В итальянском пейзаже Ге «Сорренто» чувствуется наследственная связь с академическими романтическими традициями и одновременно самостоятельная сила, своя эмоциональная содержательность.

Искусство Айвазовского имело огромное влияние на развитие маринистов и крымской тематики. Он создал свои традиции и школу. Работы современников, учеников и последователей художника составляют целую эпоху в развитии морского пейзажа и крымских ландшафтов. К этой группе работ можно отнести прекрасные пейзажи: Л. Ф. Лагорио «Крымский пейзаж» (1886), А. П. Боголюбов «Череда на берегу моря. Ай-Тодор» (1870), Р. Судковский «Прозрачная вода» (1879-1885), К. Ф. Богаевский «Берег Коктебеля», волшебные, прозрачные акварели с крымскими видами Н. А. Волошина.

Нынешняя выставка – продолжение доброй традиции – всестороннего ознакомления посетителей с уникальной коллекцией музея. Выставка является подтверждением того, что настоящее искусство не имеет никаких преград. Художники, которые обращались к воспроизводству непревзойденной красоты морской стихии, баталий, различных морей и разных стран понятны и привлекательны, даже в наше нелёгкое время, для самого широкого круга зрителей.©

Экспонаты этой выставки подбирали не только по возрасту, но и разнообразию технологий стеклоделия - от алмазной грани до гутной техники, главная сложность которой успеть придать расплавленному стеклу форму всего за несколько минут.

«Если эта стекломасса остынет, уже невозможно будет вылепить никакую фигуру. То есть это настолько тонкая, изящная работа, требующая внимания, концентрации, а главное, техники», - объяснил заместитель директора Пензенской областной картинной галереи им. К.А. Савицкого Дмитрий Бушмин.

Не случайно экспонатами выставки стали и образцы европейского стекла. Например, знаменитого завода Баккара. Бахметьевы привозили эти изделия из зарубежных поездок в качестве эталона. Но никольчане в итоге превзошли европейских мастеров, объединив в своих работах изящность итальянского стекла и прочность богемского. А про знаменитый «золотой рубин», стекло нежно-розового цвета, есть даже легенда о бедном мастере и его сварливой жене: «И жена, в конце концов, так на него была обижена, что сняла с пальца обручальное кольцо и бросила в эту хрустальную массу. И произошло чудо. От присутствия в этой стеклянной массе золота оно окрасилось в нежно-рубиновый цвет».

На несколько месяцев Никольский музей останется и без современных произведений искусства. Например, хрустальной туфельки, созданной в 2014 году по заказу студии Уолта Диснея. Теперь ее смогут увидеть и пензенцы.

«Для нас эта выставка, конечно, является событием. И, в первую очередь, для того, чтобы наши граждане, наши пензенцы, гости нашего города захотели увидеть полностью всю коллекцию, чтобы приехать в Никольск - "Хрустальное сердце России"», - отметила министр культуры и туризма Пензенской области Татьяна Курдова.

Всего в собрании Никольской коллекции стекла и хрусталя - более четырнадцати тысяч уникальных экспонатов. Сто пятьдесят из них будут гостить в Пензе до конца года.

"Картина находилась буквально в нескольких сантиметрах от места, где владельцы дома готовили еду. Аукционист, которого они пригласили оценить некоторые предметы, попросил рассказать о ней подробнее, но хозяйка ответила, что эта маленькая икона никакого интереса для искусства не представляет. Однако у аукциониста сработало чутье, и он решил отправить работу на экспертизу", - сказал искусствовед Стефан Пинта.

Изображение Христа в окружении насмехающийся людей создал учитель Джотто - флорентийский художник Чимабуэ, чья техника повлияла на формирование живописи эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что картина, найденная в Компьене, - часть серии, изображающей страсти Христовы. До настоящего момента считалось, что сохранилось лишь два фрагмента - один хранится в Национальной галерее в Лондоне, второй - в Коллекции Фрика в Нью-Йорке.

"Это значимое открытие для всего мира. Я часто сравниваю историю искусства с пазлом, в котором не хватает некоторых частей. Обнаружив эту картину, мы нашли еще одну недостающую деталь из мира зарождающейся западной живописи. Эта картина была написана во второй половине XIII века, во времена, когда Нотр-Дам даже не был построен", - добавил Стефан Пинта.

Картина "Поругание Христа" будет выставлена на французский аукцион, который пройдет в городе Санлис 27 октября. За картину рассчитывают выручить от четырех до шести миллионов евро. Торги станут первым в истории прецедентом продажи картины Чимабуэ. Работы живописца ранее никогда не попадали на аукционы.

«Он был очень любим педагогами и ненавидим товарищами за то же, за что любим педагогами, то есть за усидчивость, за упорство», - говорит куратор выставки Алексей Юшко.

Усердный в математике, артиллерии, маршировке, Алексей Аракчеев был рекомендован будущему императору Павлу I как прекрасный офицер, вскоре он стал комендантом Гатчинских войск. Тогда же Аракчееву даровано имение близ Новгорода - Грузино и две тысячи душ. Павлу был необходим «непревзойденный в России мастер муштры». В Гатчине Аракчеев служил вместе с великим князем Александром.

«Когда Павел I вступал на престол, то Александр был, естественно, при отце, а Аракчеев был в Гатчине. И был вызван собственноручным письмом Павла. Естественно, тут же прискакал весь в дорожной грязи, пыли, без сменной одежды», - рассказал куратор выставки Алексей Петров.

Перед тем, как Аракчееву предстать перед императором, Александр дал ему свою рубашку. В ней Аракчеева через много лет и похоронили по завещанию. Его преданность Александру I была безграничной. После войны 12-го года надо было сохранить армию, но расходы на нее сократить. Вот документ, где Аракчеев предлагал разделение армии на действующую и резервную. Путь - менее болезненный для народа, чем военные поселения, которые предлагал император. Но Александр I настоял на своем. И реформы, осуществленные прилежным исполнителем Аракчеевым, позднее были названы «аракчеевщиной».

Через три года после смерти Александра I Алексей Аракчеев за 25 тысяч франков заказал часы-мавзолей. Тщательнейшим образом их продумал - вот в витрине представлено их описание. Ни одной лишней детали. Бой часов раздавался ежедневно в час смерти императора - в 10 часов 50 минут утра.

Эти часы сейчас хранятся в Эрмитаже. То, что Аракчеев был действительно «без лести предан», говорит множество фактов. Памятник Александру был водружен в имении Аракчеева в Грузино. Граф даже внес значительную сумму в банк в награду тому, кто напишет лучшую историю царствования императора Александра I к 100-летию со дня его смерти - в 1925 году. Финал этой истории так и остался открытым.

Юлия Струкова©

«Например, украинка, собирающая сливы. Голова украинской девушки - кисти Тропинина неслучайно. Украинская тема звучит, потому что село Кукавка - родина Василия Тропина, он обращался к этой теме, ему были интересны персонажи. А у Марии Поленовой, в основном, северная красота, северная крестьянская красота. Мы хотели исследовать корни, что за феномен такой великого русского художника Василия Поленова. а феномен кроется в семье, в корнях, в матери», - рассказала директор музея Тропинина и московских художников его времени Ольга Журавлева.

Ученица Константина Молдавского - художника круга Карла Брюллова - она превзошла по таланту своего учителя.

«Фактически все его творчество - довольно слабое подражание великому Карлу Брюлову, у нее более самобытная и более интересная стилистика и манера», - отметил куратор выставки Сергей Подстаницкий.

Художница – не профессиональная, писала она, в основном, портреты. Простых казаков, крестьянок, близких людей. На выставке можно увидеть ее автопортрет с 2 дочерьми, портрет ее мужа Дмитрия с тремя сыновьями. Самый старший - Василий - позже станет великим русским художником. Сам Поленов называл себя «уроженцем русского Севера». Усадьба в Имоченц{ах близ села Окулова Гора была любимым местом семьи.

«Именно в Имоченцах Василий и его младшая сестра Елена начинают формироваться как художники, именно здесь они пишут первые пейзажи, портреты, изучают быт крестьянский, жанровые работы пишут», - рассказала старший научный сотрудник музея-заповедника Поленова Марина Глашкина.

В собрании музея две работы самого Василия Поленова: «Палестинский дворик в солнечный день» и «Осень. Ока», которую он писал с того места, где сегодня стоит главный дом знаменитой поленовской усадьбы. Художник признавался, что страстную любовь к живописи он унаследовал от матери Марии Поленовой.

Мария Трофимова

- Кому пришла идея открыть в одном из старейших театров страны новый образовательный проект? Зачем Малому театру детская студия?
- Мы основали детскую школу в феврале 2019 года по инициативе нашего руководства. Идея зрела давно, поскольку мы в театре начали серьезно разрабатывать детские и молодежные мероприятия, проводить праздники, новогодние елки. Это огромная возможность для нашего театра и революционный момент, потому что у нас никогда ничего подобного не было.
Мы считаем, что детям будет полезно получить дополнительное эстетическое образование. В тоже время, это задача достаточно эгоистичная, потому что таким образом мы воспитываем нашего зрителя. Хотя на этапе создания студии мы об этом не задумывались, но в дальнейшем мы поняли, что это очень выгодно, ведь мы сами себе воспитываем и зрителей, и артистов. Бывают постановки, где заняты дети, и конечно, лучше, если дети-артисты обучены по тем же традициям и в той же школе.

- За два-три месяца удалось разглядеть среди учеников талантливых звездочек и привлечь к участию во взрослых постановках?
- Нашего ученика Сергея Калашникова взяли играть в спектакль «Метель». В этом спектакле играл мальчик, сын нашей актрисы, но он вырастает из этой роли. Встал вопрос о том, что нужно вводить нового актера. Режиссер пришел на наше занятие, посмотрел на детей и выбрал десятилетнего мальчишку. И с одной репетиции ввел его в свой спектакль. Причем родители ребенка никакого отношения к театру не имеют. Очень талантливый, серьезный, умный парень. Хочется, чтобы дети активно участвовали в театральной жизни и открывали себя для себя, получали эстетическое образование, участвовали в наших спектаклях. Придет время и, я думаю, мы сделаем какие-то отдельные постановки.

- Кто занимается с детьми? Как построен учебный процесс?
Зимой мы набрали две группы, в каждой по 15 человек в возрасте от 4 до 9 лет. В этом учебном году мы набираем еще и ребят постарше с 10 до 13 лет, всего около 50 человек. Главное, чтобы педагогов на всех хватило, потому что артисты все заняты на основных профессиональных проектах. Наставники – это наши молодые ведущие артисты театра, которые преподают в Щепкинском училище: Константин Юдаев, Наталья Калинина, Любовь Ещенко и Екатерина Базарова. К ним также присоединился Александр Наумов и с этого семестра преподавать танец будет Анастасия Соломина, дочка Виталия Мефодьевича Соломина, которая много лет танцевала в ансамбле Игоря Моисеева. Занятия проходят два раза в неделю по два часа. Среди основных предметов – пластическое воспитание и актерское мастерство. В старшей группе будет также развитие речи.

- Понятно, что не все ученики в будущем станут актерами и будут работать в театре, речь идет скорее о дополнительном образовании к школьному. Чему учит ребенка классическая театральная школа? Какие новые знания и навыки приобретают дети на занятиях в студии?
- В школьной образовательной системе дети часто зажаты. Наши занятия направлены на то, чтобы раскрепощать детей, развивать у них фантазию, чтобы они увлекались не только компьютерными играми. Наставники дают им творческие задачи, например, придумать этюд, показать животное. Дети дома с родителями должны продумать этот этюд, а потом показать в классе. Родители признаются, что у детей за время занятий даже игры дома поменялись. Они из компьютеров вышли в реальную жизнь.

Плюс, конечно, у детей активно развивается речь. Мы даем много речевых упражнений. Они учат стихи, скороговорки. Мы заметили, что дети, которые приходили к нам на прослушивание, страдают дефектами речи. Мы с ними работаем, но не как логопеды, а своими театральными методами. Пластическое воспитание тоже очень важно, потому что ребенок учится чувствовать свое тело, учится подавать себя. Этот навык пригодится во взрослой жизни, например, на собеседовании при трудоустройстве. Мы стараемся развивать их разносторонне.
На занятиях дети прикасаются к живой истории, ведь история нашего театра тесно связана с историей нашей страны. Они ходят на спектакли, окунаются в театральную атмосферу. И это дает свои плоды. Дети начинают осознавать, где они находятся, что они делают, что они являются частью театральной жизни. Мы им сразу так и сказали: ребята, вы дети Малого театра.

- Наверное, чтобы стать учеником школы Малого театра, нужно обладать какими-то уникальными способностями? Как проходит отбор кандидатов?
- Для нас главный критерий, чтобы ребенок хотел сам. Чтобы не просто родители привели его по своему желанию, а чтобы это было желание самого ребенка. Из этого все вытекает. На прослушивании мы знакомимся. Если ребенок может приготовить и показать какое-то выступление, то мы слушаем, если нет, то просто разговариваем, спрашиваем, чем интересуется.
Главное общаться с детьми не высокомерно. Ставить себя так, чтобы их не смущать, но и вызывать у них должное уважение, но при этом не зажимать их, чтобы они не стеснялись. Наша задача – именно в этом.

- Какие они, современные дети?
Дети нового поколения очень разные. Многие из них совершенно не имеют представления, что такое классический театр. Те, кто помладше, приходят потому, что из них ключом бьет энергия, а мы помогаем направить ее в «мирное» русло. Старшие, как правило, уже занимались в студиях, но к нам приходят именно за классическим образованием. Они уже немного «подпорчены» эстрадой, но при этом их отличает большое желание научиться чему-то новому. Они приходят с богатым опытом современного танца, а какие-то элементарные русские народные песни не знают. Могут спеть арию из современной рок-оперы, а попросишь спеть «Калинку-малинку», они говорят: не помню, не знаю. Русские народные песни и танцы – это обязательный элемент в нашем театре, ведь у нас классический русский театр.

Классическая театральная школа – это школа, которая выдержала проверку временем, это та же система Станиславского, или основы классического балета. Если ты этому не научился, ты не можешь двигаться дальше и создавать что-то новое, что-то свое.
Когда человек перепрыгивает классический этап, он что-то недополучает и это всегда видно. Какой бы ни был талантливый человек, если у него недостаток классического образования, когда он выходит на живую театральную сцену, у него проявляются разные ошибки, например, артиста может быть не слышно, потому что он привык говорить в микрофон, или привык, что его снимают крупным планом, и он также статично ведет себя на сцене. На живой сцене другие законы.

- Как понять, что у ребенка есть склонность к театральному искусству?
- Очень легко. Когда ребенок постоянно пытается выступать, любит петь, быть в центре внимания. Это невозможно не заметить. Такому ребенку нужны зрители, признание, нужно показывать себя. Если вы замечали такое поведение за своим чадом, значит пробуйте учиться в театральной студии. Эти качества можно и нужно развивать. В любом случае, эти навыки не будут лишними во взрослой жизни. У нашей школы нет такой задачи – показать готовый продукт, нет отчетных концертов. Потому что, когда начинается зацикливание на результате, когда ребенка наряжают, ставят на сцену и дают читать стихи, появляется эффект местечкового «ДК». У нас проходят регулярные занятия по методикам, а не репетиции. Но родителей мы приглашаем на открытые уроки.

- И в конце очень русский и театральный вопрос. В чем для вас вообще смысл жизни?
- Смысл жизни… Это очень сложный вопрос. Большой смысл в жизни – это моя вера в Бога, которая ведет меня по жизни. Еще один из главных моих смыслов – это моя семья, мой муж и двое детей. С их рождением в моей жизни очень многое начало меняться. Моя семья создает движущую силу всем моим творческим проектам. Старшему сыну 2,5 года, а младшему полтора. Хотелось бы, чтобы они как-то тоже связали свою жизнь с искусством. Но это им решать, не мне. Они живут в театральной семье, поэтому какая-нибудь артистическая участь их постигнет так или иначе. Но пока рано об этом говорить, посмотрим.

Татьяна Виноградова. 11сент.2019г)©